CD

2019年10月13日23:30

カテゴリ: CD批評：TROPICAL JAZZ BIG BAND

熱帯JAZZ楽団／ X ～SWIG CON CLAVE～

　『Ⅹ　～ＳＷＩＮＧ　ＣＯＮ　ＣＬＡＶＥ～』は，ウディ・ハーマン，カウント・ベイシー，グレン・ミラーのスイング・ジャズの定番曲に焦点を当てた正統派ビッグ・バンドとしての演奏集。

　スイング・ジャズの特長とはソロやアドリブというよりアレンジ命。個性溢れる名アレンジャー陣が多数在籍する「熱帯ＪＡＺＺ楽団」が，どこまで「ＴＲＯＰＩＣＡＬ」できるか？が「名盤か否か」の分かれ目であろう。

　手垢のついた【フォー・ブラザーズ】【ナイト・アンド・デイ】【茶色の小瓶】【ムーンライト・セレナーデ】の定番曲が「ＴＲＯＰＩＣＡＬ」している。予想以上にラテン・ジャズしていて面白いアレンジである。

　ラテンのリズムの心地良さの上にジャズらしいインプロビゼーションがスパイスされた，でもアンサンブルの醍醐味を楽しめるビッグ・バンドでないと絶対に出せない“味”がある。
　書き譜で演奏しているはずなのに「熱帯ＪＡＺＺ楽団」を聞いていて受ける印象とは基本「自由」。曲の流れに合わせてメンバーが思い思いに自由にアンサンブルを重ねている印象を受けた。

　『Ⅹ　～ＳＷＩＮＧ　ＣＯＮ　ＣＬＡＶＥ～』として，スイング・ジャズの定番曲を１枚のアルバムとして聴かせてくれると，今までは曲単位で楽しんでいた「熱帯ＪＡＺＺ楽団」のバンドとしての「まとまり」を感じるようになった。
　どんな曲調を演奏するにしても，いつでも「ＴＲＯＰＩＣＡＬ」という個性が表に出てしまうように感じる。これまで以上にアルバムに「ＴＲＯＰＩＣＡＬ」な「統一感」が出るようになった。

　だからビッグ・バンドの円熟期のタイミングで，大好きなジンサク時代の【スネークマンズ・シャッフル】を再演してくれたのが宝物！
　『ＷＩＮＤ　ＬＯＶＥＳ　ＵＳ』収録の【スネークマンズ・シャッフル】も，ジンサク・ラテン・フュージョン期の大名演であり，神保彰がノリノリでアフロ・キューバンしていた大名演が素晴らしかった。

　だが『Ⅹ　～ＳＷＩＮＧ　ＣＯＮ　ＣＬＡＶＥ～』収録の【スネークマンズ・シャッフル】はそれ以上の大名演である。その要因こそが，先に書いた「自由」であろう。

　神保彰のイメージする音をメンバー全員が共有できていない感じがする。全員が自分の思い思いの【スネークマンズ・シャッフル】を演奏している。つまりは微妙な部分が神保彰のドラミングとズレている。

　でもこれだから聴いていて面白いのだ。白にしても真っ白があれば，オフホワイトもあるし，生成りもある。それと同じで【スネークマンズ・シャッフル】の曲としての面白さも，人によっては前半であったり，サビだったり，リズムであったりするものである。

　「熱帯ＪＡＺＺ楽団」の全員が全員，楽団員の頭の中に興味津々である。どこをどんなテンポでどんな音色で強調してくるのかと，他のメンバーの発する音に耳を傾けながらも，自分なりの譲れない部分を表現している。

　そんな人それぞれの感性を１つの完成形としてまとめ上げるのではなく，みんなが思う【スネークマンズ・シャッフル】の曲としての面白さを全部取り上げ，アクセントとしてバラバラに登場している。それでいて大枠としては全員ズレていないのだから何の問題もない。うん。これってジャズの面白さだよなぁ。　

　　01. DINNER WITH FRIENDS
　　02. ALBA BLANCA
　　03. SNAKEMAN'S SHUFFLE
　　04. FOUR BROTHERS
　　05. NIGHT AND DAY
　　06. LAMENTACION
　　07. LITTLE BROWN JUG
　　08. LA RUMBA PARA DEBBY ～Waltz for Debby～
　　09. MOONLIGHT SERENADE
　　10. ARRIBA! para los fantasistas
　　11. NIGHT AND DAY (Inst.)

（ビクター／JVC 2006年発売／VICJ-61355）

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2019年10月10日23:05

カテゴリ: CD批評：FUSE ONE

フューズ・ワン／フューズ

　「ＣＴＩオールスターズ」が「ＣＴＩ“ジャズ”オールスターズ」であるならば「フューズ・ワン」は「ＣＴＩ“フュージョン”オールスターズ」である。

　フュージョンの老舗であるＣＴＩの企画盤「フューズ・ワン」の『ＦＵＳＥ』（以下『フューズ』）は，フュージョン・ブームの末期に発売された，フュージョン・ブーム再燃を狙った起死回生盤。
　ゆえに『フューズ』の収録曲【ＤＯＵＢＬＥ　ＳＴＥＡＬ】がＴＤＫのＴＶＣＭ曲として採用されたのにも理由があったのです。

　話のついでに脱線するが，俗に【ＤＯＵＢＬＥ　ＳＴＥＡＬ】を「フュージョン・ブーム最後の名演」と呼ぶことに抵抗はないが，どうせだったら【ＧＲＡＮＤ　ＰＲＩＸ】か【ＴＡＸＩ　ＢＬＵＥＳ】のどちらかがＴＶＣＭで流されていたならフュージョン・ブームも延命していたと管理人は信じている。

　「フューズ・ワン」のメンバーは，テナー・サックスとソプラノ・サックスとフルートのジョー・ファレル，ギターのジョン・マクラフリン，ギターのラリー・コリエル，キーボードのロニー・フォスター，キーボードのドン・グルーシン，キーボードのジェレミー・ウォール，キーボードのホルヘ・ダルト，ピアノのヴィクター・フェルドマン，ハーモニカのヒュー・マクラッケン，ベースのスタンリー・クラーク，ベースのウィル・リー，ドラムのトニー・ウィリアムス，ドラムのレニー・ホワイト，ドラムのレオン・チャンクラー，パーカッションのポウリーニョ・ダ・コスタ，パーカッションのロジャー・スキーテロ　ＥＴＣ

　『フューズ』の最高は，上記クリード・テイラー人脈の超豪華スーパースター軍団の演奏の良さに秘密があるのか？　それとも名曲ばかりの選曲の良さに秘密があるのか？　いやいや，演奏とメロディーの相乗効果にある！でしょう。

　とにかく曲がいいのだが「フューズ・ワン」の名手たちが，美メロをこれ以上ないハーモニーで表現しきっている。凄いんだけど聴き馴染みが本当に良い。頭の中でいつまでもリフレインする名曲＆名演集の決定版の１枚である。

　…が，しかしである。以上が表『フューズ』批評であり，上記の文章にウソ偽りなど混じってはいないのだが「フューズ・ワン」批評には表と裏の２種類がある。
　ズバリ，裏『フューズ』批評の真実とは「フューズ・ワン・フィーチャリング・スタンリー・クラーク」のことである。

　とにかくスタンリー・クラークのベースのバカテクこそが『フューズ』最大の聴き所である。曲調にしてもソロ・スペースにしても全てがスタンリー・クラークのベースのために“お膳立てされている”で間違いない。

　ここまであからさまに贔屓されているスタンリー・クラークのどの部分にクリード・テイラーが魅了されたのかは今もって不明であるが，クリード・テイラーの心の声は明らかである。

　ＥＣＭのマンフレート・アイヒャーとＲＴＦのチック・コリアよ，スタンリー・クラークを横取りしやがって～。　

　　01. GRAND PRIX
　　02. WATERSIDE
　　03. SUNSHINE LADY
　　04. TO WHOM ALL THINGS CONCERN
　　05. DOUBLE STEAL
　　06. FRIENDSHIP
　　07. TAXI BLUES

（ＣＴＩ／CTI 1980年発売／KICJ 2169）
（ライナーノーツ／中原仁）

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2019年10月07日23:00

カテゴリ: CD批評：TROPICAL JAZZ BIG BAND

熱帯JAZZ楽団／ IX ～MAS TROPICAL!～

　『Ⅸ　～ＭＡＳ　ＴＲＯＰＩＣＡＬ！～』に渡辺貞夫がゲスト参加すると聞きつけた時，もしや「熱帯ＪＡＺＺ楽団」が渡辺貞夫を喰ってしまうのでは？と期待したのだが，やっぱり渡辺貞夫は渡辺貞夫。
　ズバリ『Ⅸ　～ＭＡＳ　ＴＲＯＰＩＣＡＬ！～』の真実とは「渡辺貞夫　ＷＩＴＨ　熱帯ＪＡＺＺ楽団」であった。

　そう。『Ⅸ　～ＭＡＳ　ＴＲＯＰＩＣＡＬ！～』で渡辺貞夫と共演していた「熱帯ＪＡＺＺ楽団」の立ち位置は「ビッグ・バンドならぬバック・バンド」！
　これを渡辺貞夫の凄さと取ったあなたは「熱帯ＪＡＺＺ楽団」の真のファンである。同時に“善良の塊り”渡辺貞夫の大ファンでもある。間違っても「熱帯ＪＡＺＺ楽団」の演奏が，イマイチだ，と取ってはなりません。

　そもそもビッグ・バンドのソロ・オーダーは短いものです。だから全編渡辺貞夫が前面に出る【オレンジ・エクスプレス】と【ベサメ・ムーチョ】がバック・バンド風に聴こえるのも当然のこと？

　それと渡辺貞夫が「熱帯ＪＡＺＺ楽団」の実力を高く評価しているからこその大熱演。『Ⅸ　～ＭＡＳ　ＴＲＯＰＩＣＡＬ！～』での渡辺貞夫の演奏がいつも以上に気合いが入っている。
　“百戦錬磨”のナベサダ自身【オレンジ・エクスプレス】も【ベサメ・ムーチョ】も，久しぶりに演奏したことだろう。だから新鮮味があったのだろう。
　でもそれ以上に，こんなにも深いアンサンブルで演奏されたら，フロントとして燃えなければウソだろうし，ジャズメンとしても名乗れないであろう。

　『Ⅸ　～ＭＡＳ　ＴＲＯＰＩＣＡＬ！～』における渡辺貞夫の“突出”は，裏を返せば「熱帯ＪＡＺＺ楽団」の爆演のおかげである。
　渡辺貞夫抜きの「熱帯ＪＡＺＺ楽団」のオリジナルでは，いつものノリとハーモニー満載でリラックスした演奏集。かなり小難しいこともやってきている。

　「熱帯ＪＡＺＺ楽団」の１０周年記念盤『Ⅸ　～ＭＡＳ　ＴＲＯＰＩＣＡＬ！～』は，カルロス菅野にとって初めての「挑戦作」であり「冒険作」である。

　敢えて猛者たちの自我を封印し，全員がパーツの一部として意識的に演奏してきた，安定とか落ち着きといった言葉は１０周年を迎えた「熱帯ＪＡＺＺ楽団」には似合わなくなってしまった。

　ボーナス・トラックの【コーヒー・ルンバ】が軽やかでウキウキで大好きです。抑制された美しさと自由奔放な表現手法に大物たちの「自己表現」が表われたように感じます。　

　　01. Machete
　　02. Orange Express
　　03. El Futuro
　　04. Casa Verde
　　05. Cosa Latina
　　06. Besame Mucho
　　07. Mambeo Mareo
　　08. Quien Sera
　　09. Tu Pintura
　　10. Almost There
　　11. Moliendo Cafe

（ビクター／JVC 2005年発売／VICJ-61277）

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2019年10月04日23:00

カテゴリ: CD批評：クリス・ポッター

クリス・ポッター／サーキッツ

　あのパット・メセニーが「３０年振りに指名した木管奏者」なのだから，クリス・ポッターが「世界一」の称号で呼ばれたとしても，別段気に留めることはなかった。
　ただし自分自身の中で，お奨めのサックス奏者は？と尋ねられてもクリス・ポッターと答えたことは一度もなかった。クリス・ポッターの存在が頭の中に入っていないという事実。

　事実，クリス・ポッターの演奏は“新・帝王”ポール・モチアンの「ＴＲＩＯ２０００」「ジ・エレクトリック・ビバップ・バンド」で数枚シンドメンとして耳にしてきた程度。
　クリス・ポッターをメインとして聴き出したのは『ＵＮＩＴＹ　ＢＡＮＤ』『ＫＩＮ（←→）』『ＴＨＥ　ＳＩＲＥＮＳ』の３枚しかなかったので“１枚聴いたら追加でもう１枚”という反応も起こらなかった。
　思うに，クリス・ポッターにはコレと言った“味”がないのだろう。ノブが言うところの「クセが強い！」の反対なのだろう。

　クリス・ポッターのサックスが強力だ。他の誰もが立ち向かえないほど強力だ。しかし，どの曲においてもサックスが主役のはずなのに嫌味なく曲の雰囲気に溶け込んでしまっている。サックスがどうのこうのというよりは“メロディーが鳴っている”と感じてしまう。

　そう。クリス・ポッターの無機質でテクニカルなサックスには，曲全体を聴かせてしまう稀有な魅力があると同時に，人間＝クリス・ポッターのメカニカルな演奏スタイルには感情移入がし難いのだ。

　元来・常識人なクリス・ポッターには，ＥＣＭ的なＣＯＯＬで理知的な演奏など似合わない。超絶系で絶唱系でグルーヴ路線で攻めて初めて，クリス・ポッターの持ち味が自然と中和されていい塩梅に仕上がるタイプ。
　クリス・ポッター瞬発力と即興の力強さは，あのマイケル・ブレッカーについに肉薄したように思う。

　『サーキッツ』とは「回路」の意味。ＰＣボードでエレクトリックな基盤のことを連想するが「サイバーで無機質もの」と捉えるのは短絡的かもしれない。
　各曲をよく観察すると，この「回路」とは人間の神経や循環器であり，また都市や交通といった人々の営みでもあり，ひいてはクリス・ポッターが奏でる“空気を送り込む楽器”の比喩でもある。

　『サーキッツ』でのクリス・ポッターの演奏は，マルチ・リードだけではなくサンプラー等を用いたオーバーダブが施されており，もはやテナー云々を語るレベルにはとどまらない，高度なテクニックを駆使したエネルギッシュなプレイに満ちている。
　そう。やっぱりクリス・ポッターはサックス奏者というよりも「音楽家」として『サーキッツ』に参加している。

　だから『サーキッツ』の聴き所は“メロディー”である。イケイケなのに複雑な構造を持つクリス・ポッターのオリジナルがしっかりと耳に残る。クリス・ポッターの作る美メロは，変拍子の上に乗せると“キャッチー”に鳴ってしまうのだから，クリス・ポッターのハイセンスに舌を巻くばかり。

　だから管理人の潜在意識の中に，お奨めのサックス奏者＝クリス・ポッターのイメージがないんだろうなぁ。
　その意味でマイルス・デイビス，パット・メセニー，ジャコ・パストリアス，マーカス・ミラー，マイケル・ブレッカーと同じ種類の存在である。

　そう。クリス・ポッターとはサックス奏者を超えたところで語られるべき存在である。クリス・ポッターとは稀代の「音楽家」なのである。　

　　01. Invocation
　　02. Hold It
　　03. The Nerve
　　04. Koutome
　　05. Circuits
　　06. Green Pastures
　　07. Queens of Brooklyn
　　08. Exclamation
　　09. Pressed For Time

（エディション・レコーズ／EDITION RECORDS 2019年発売／AMIP-0148）
（☆直輸入盤仕様）

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2019年09月28日23:45

カテゴリ: CD批評：FULL MOON (LARSEN-FEITEN BAND))

フル・ムーン（ラーセン・フェイトン・バンド）／フル・ムーン・ライヴ

　管理人はブートは買わない。と言いつつも，買ったことがないだけで友人から借りて聞いたことはある。ユーチューブもブートみたいなものと考えると時々ブートを聞いていることになる。でも（これからも絶対に買わないとは言い切れないが）基本的にブートは買っていない。

　こんなスタンスの音楽ファンはきっと多いと思う。海賊盤は悪である。世に出してはいけない。そのことを自覚すればこそ，好きなアーティストの音源は全部聴いてみたいしコレクションもしたい，という内面の葛藤と闘うことになる。
　レコード会社はそのことを分かっている。それで悪魔の囁き「やれ別テイクだ。やれ発掘盤だ」と誘ってくる。攻勢を仕掛けてくる。

　そんなレコード会社の近年の荒業の１つに「公式ブートレグ」の発売がある。公式であるからファンも良心が痛まない。公式であるから音質も一定基準を満たしている。いい時代である。

　…でっ，前置きが長くなってしまったが，今夜ご紹介するのは「フル・ムーン」の「公式ブートレグ」『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ　ＬＩＶＥ』（以下『フル・ムーン・ライブ』である。
　この『フル・ムーン・ライブ』が真に最高である。諸手を挙げて推薦する屈指の名盤の１枚である。

　先に公式なら音質も一定基準を満たしていると書いたが『フル・ムーン・ライブ』の元ネタはバジー・フェイトンの個人所有の録音テープ。どんなに最高の編集技術を駆使しようと元ネタがカセットテープ・レベルであればどうしようもない。どれほどマスタリングで加工しようともチープな音質に変わりはない。音質としてはブートの中でも劣悪な部類に入るレベルであろう。

　でもでもでも，それでも『フル・ムーン・ライブ』が真に最高である。当然のことなのだがＣＤって音質の前に内容である。内容が良ければ音質が悪いという理由だけでＣＤ未発売という選択肢はないのである。未発売は世界の大損失なのである。

　とにかく，冒頭の【ＭＥＳＳＡＧＥ　ＦＲＯＭ　ＢＥＹＯＮＤ】である。このヒートアップする観客の勢いに圧倒されてしまう。アドレナリンが止まらなくなる。
　ドラムとパーカッションの最高の乱れ打ちに煽られた観客の熱狂的な叫び声が，続くバジー・フェイトンのギターにパワーを与えている。
　流ちょうすぎるギターのテーマが重なり入ってきた瞬間の歓びと言ったら…。あの高揚感は他の何物にも代え難い。【ＭＥＳＳＡＧＥ　ＦＲＯＭ　ＢＥＹＯＮＤ】における出だしの数秒間がバジー・フェイトンの名演の中の名演で間違いない。

　自分がライブ会場のど真ん中にいるような気になれる程「フル・ムーン」の演奏に没入できる。イントロが流れるとすぐにベイクド・ポテトへトリップできる。これほどの臨場感を感じられるのも「公式ブートレグ」の魅力であろう。

　とにかく『フル・ムーン・ライブ』はノリと選曲がいいんだよな。これがっ！　「フル・ムーン」のヒット曲が連続で大盛り上がりで演奏されていく！
　スタジオ録音ではヴォーカル優位の「フル・ムーン」であるが，編集の都合なのか？『フル・ムーン・ライブ』におけるバジー・フェイトンのヴォーカル曲は１曲のみ。インスト曲ばかりなのが特にお気に入り！

　『フル・ムーン・ライブ』を聴く前から「フル・ムーン」が好きだったのだが『フル・ムーン・ライブ』を聴いてからというもの，以前の何倍も「フル・ムーン」が好きになったし，改めて聴き直した『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ』『ＬＡＲＳＥＮ－ＦＥＩＴＥＮ　ＢＡＮＤ』『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ　ＦＥＡＴＵＲＩＮＧ　ＮＥＩＬ　ＬＡＲＳＥＮ　＆　ＢＵＺＺ　ＦＥＩＴＯＮ』が好きになった。

　管理人の「フル・ムーン」のファン人生を変える転機となった『フル・ムーン・ライブ』にはそれだけ大きな力があるということです。ライブ盤にはそれだけ大きな力があるということです。

　　01. MESSAGE FROM BEYOND
　　02. LITTLE COWBOYS
　　03. FUTURAMA
　　04. AZTEC LEGEND
　　05. FURTHER NOTICE
　　06. SIERRA
　　07. DEMONETTE
　　08. PHANTOM OF THE FOOTLIGHTS
　　09. SUDDEN SAMBA

（ドリ－ムズヴィル・レコード／DREAMSVILLE RCORDS 2002年発売／YDCD-0089）
（ライナーノーツ／工藤由美）

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2019年09月25日23:26

カテゴリ: CD批評：TROPICAL JAZZ BIG BAND

熱帯JAZZ楽団／ VII ～SPAIN～

　管理人は基本的に大編成ものは好みではない。ビッグ・バンドを日常ではほとんど聴かない。それは「熱帯ＪＡＺＺ楽団」に関しても同じこと。
　ハーモニーやアンサンブルもそれ自体は好きではあるが，どうにも演奏が鈍いというか「ジャズとはアドリブ芸術」人間なので「熱帯ＪＡＺＺ楽団」は，すでに所有済の『Ⅲ　～ＭＹ　ＦＡＶＯＲＩＴＥ～』と『Ⅳ　～ＬＡ　ＲＵＭＢＡ～』の２枚があれば十分事足りるものと思っていた。

　一方，管理人には好きな楽曲についてはいろんな人のいろんな演奏を聴いてみたいという欲求がある。『Ⅶ　～ＳＰＡＩＮ～』の購入理由は収録曲の「ビッグネーム」に負けてこちら側の気持ちが勝った結果である。

　「熱帯」と来れば的なジャズ・メッセンジャーズの【チュニジアの夜】に，フュージョンの２大代表曲であろう，チック・コリアの【スペイン】とウェザー・リポートの【バードランド】。この３曲の並びに再び物欲が湧き上がる～。

　【チュニジアの夜】こそ，ビッグ・バンドの重厚な大熱演が似合うというのに，おとなしいニューヨーク・ヴォイセスだとは…。【スペイン】こそ，ラテンのビートが似合うというのに，鈍い管楽器のアンサンブル重視だとは…。
　でもでも【バードランド】にはハマッタ！　高橋ゲタ夫のベースがビンビンで，仮にジャコパスが「ジャコ・パストリアス・ビッグ・バンド」で【バードランド】を演ったら，こんな感じになったのだろうと想像させてくれる…。

　『Ⅶ　～ＳＰＡＩＮ～』は買って良かった。ただし，購入して満足した理由は「お目当ての３曲」ではなく，それ以外の曲の出来が良かったから！
　そう。「熱帯ＪＡＺＺ楽団」にとってカヴァー曲は単なる「看板」にすぎない。入り口とか間口にすぎない。

　【エディ・パル・モンテ】でのカルロス菅野のヴォーカルがカッコイイわ。サルサ調のムーディー・バラードの【グッドバイ・フィフス・アヴェニュー】のパーカッション・チームがカッコイイわ。【パランテ・パゴサール】はまたしても「ＪＩＭＳＡＫＵ」の再来であって森村献と神保彰の大仕事３。【スイングしなけりゃ意味ないね】での意表を突いたイントロがカッコイイわ。でも完全にＳＨＩＨＯ1人にモッテイカレテいる～。【トロピジャム】は，きっとどこかで聞いたことがあるかのようなヘヴィロテ・ナンバーでして，こんな曲を死ぬまでに聞くことができた管理人は幸せ者です。

　「熱帯ＪＡＺＺ楽団」を聴くのなら「カヴァーを超えるオリジナル」！　オリジナルのクオリティの高さを聴き逃すな！　

　　01. A NIGHT IN TUNISIA
　　02. EDDIE PAL MONTE
　　03. SPAIN
　　04. BIRDLAND
　　05. LA NOCHE EN EL BARRIO
　　06. GOOD-BYE 5TH AVENUE
　　07. PA'LANTE PA'GOZAR
　　08. IT DON'T MEAN A THING (IF IT AIN'T GOT THAT SWING)
　　09. TROPIJAM
　　10. GET OUT AND GET UNDER THE MOON

（ビクター／JVC 2003年発売／VICJ-61118）

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2019年09月22日23:00

カテゴリ: CD批評：FULL MOON (LARSEN-FEITEN BAND))

フル・ムーン（ラーセン・フェイトン・バンド）／フルムーン・フィーチャリング・ニール・ラーセン＆バジー・フェイトン

FULL MOON FEATURING NEIL LARSEN & BUZZ FEITON-1

　「フル・ムーン」と「ラーセン＝フェイトン・バンド」は別物か否か？　それって「ザ・スクェア」と「Ｔ－スクェア」は別物か否か？と尋ねているようなものなのに…。

　そう。ニール・ラーセンのキーボードとバジー・フェイトンのヴォーカル＆ギターがバンドの不動の２ＴＯＰ。「フル・ムーン」も「ラーセン＝フェイトン・バンド」も同じバンドなのです。安藤正容と伊東たけしの２ＴＯＰ然り～。

　ただし，冒頭の質問が出て来る気持ちもうなずける。この混乱の一因はニール・ラーセン＆バジー・フェイトンの側にもある。
　それが「フル・ムーン」～「ラーセン＝フェイトン・バンド」の３作目『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ　ＦＥＡＴＵＲＩＮＧ　ＮＥＩＬ　ＬＡＲＳＥＮ　＆　ＢＵＺＺ　ＦＥＩＴＯＮ』（以下『フルムーン・フィーチャリング・ニール・ラーセン＆バジー・フェイトン』）の存在にある。

　「フル・ムーン」ファンの間では，この「１ｓｔ＋２ｎｄ＝３ｒｄ」のアルバム・タイトルの紛らわしさを笑い飛ばして終わらせるのが常であるが，音楽評論家の間では苦言と混乱が生じているようで，今回のライナーノーツでも高橋健太郎が長々とバンド名とアルバム・タイトルの矛盾について書き記しているが，そんな解説など全く意味がない。
　「フル・ムーン」とは，そして「ラーセン＝フェイトン・バンド」とは，初めから「フルムーン・フィーチャリング・ニール・ラーセン＆バジー・フェイトン」だったのだから…。

　ズバリ『フルムーン・フィーチャリング・ニール・ラーセン＆バジー・フェイトン』の特長とは「１ｓｔ＋２ｎｄ＝３ｒｄ」のアルバム・タイトル通りの素晴らしいＡＯＲ／フュージョンであって，ニール・ラーセンのオルガン・フュージョンとバジー・フェイトンのサザン風味のギター・ポップ・ロックが曲順を含めて融合したインスト＆歌ものアルバムの大名盤。

FULL MOON FEATURING NEIL LARSEN & BUZZ FEITON-2

　ニール・ラーセンのキーボードが発するイマジーネーション豊かなのに人間味を感じさせるフレーズの間にバジー・フェイトンのゆったりしたヴォーカルとフェイザーたっぷりのギターが共鳴する瞬間の美しさは唯一無二。
　この快感はパット・メセニー＆ライル・メイズか，ニール・ラーセン＆バジー・フェイトンか，という感じ。

　『フルムーン・フィーチャリング・ニール・ラーセン＆バジー・フェイトン』は，ＪＡＺＺＹなのに，ウエストコースト・サウンドのような爽やかさをも併せ持つ，カラッカラに乾いた音のＡＯＲ／フュージョン。
　都会的で洗練されたサウンドなのに“気分上々”なリラックスした雰囲気が最高に聴いて楽しい名演集の1枚である。

　　01. PHANTOM OF THE FOOTLIGHTS
　　02. THE VISITOR
　　03. TWILIGHT MOON
　　04. SIERRA
　　05. BROWN EYES
　　06. HERO'S WELCOME
　　07. STANDING IN LINE
　　08. LITTLE COWBOYS

（ワーナー・ブラザーズ／WARNER BROTHERS 1982年発売／WPCP-3546）
（ライナーノーツ／高橋健太郎）

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2019年09月13日23:00

カテゴリ: CD批評：TROPICAL JAZZ BIG BAND

熱帯JAZZ楽団／ IV ～LA RUMBA～

　『Ⅳ　～ＬＡ　ＲＵＭＢＡ～』に関しては「熱帯ＪＡＺＺ楽団」というよりも「ＪＩＭＳＡＫＵ」への思い出が強くなったアルバムとして今でも印象に残っている。
　というのも“掴み”の２曲【ドゥエニョ・デル・ソラール】と【ディア・ミスター・ジョーンズ】が強力すぎて，買うまでは一番楽しみにしていた３曲目，ジャコパスの【インビテーション】が霞んだくらい。

　そう。【ドゥエニョ・デル・ソラール】と【ディア・ミスター・ジョーンズ】は森村献の仕業である。
　正直【ドゥエニョ・デル・ソラール】と【ディア・ミスター・ジョーンズ】の２曲を聴いて，櫻井哲夫と神保彰がなぜに森村献を重宝してきたかが初めて分かった。「ＪＩＭＳＡＫＵ」解散後だというのにねぇ…。

　だから『Ⅳ　～ＬＡ　ＲＵＭＢＡ～』以降，しばらくは「熱帯ＪＡＺＺ楽団」を聴かなくなった。管理人のルーティーンはラテンを聴きたくなったなら森村献入りの「ＪＩＭＳＡＫＵ」を聴く～。
　その流れで「ＪＩＭＳＡＫＵ」の神保彰のドラミングに注意がいって神保彰の凄さを改めて再認識～。

　「ＪＩＭＳＡＫＵ」時代の神保彰のドラミングって，音楽性重視のポジショニングに徹していて，テクニカルなこともいろいろと試していたとは思うが，小難しさなど全く感じさせないし，ラテンなのに常に正確無比な神保彰の“らしさ”が前面に出ていたと思う。
　対して「熱帯ＪＡＺＺ楽団」での神保彰のドラミングは，もっと大らかであって，前面に出るのはドラム・ソロの時間位で，基本は後ろで全てをまとめ上げるドラミング！
　
　ベースの高橋ゲタ夫にパーカッションのカルロス菅野と美座良彦とコスマス・カピッツァの自由で個性的なビートが“ぶつかり合うことなく”聴こえるのも，ひとえに神保彰の無類のリズム感と構築力があればこそ！
　「熱帯ＪＡＺＺ楽団」の命であるリズム隊が，コンファタブルであって，互いのビート感がぶつからない以上に，素晴らしくアンサンブルしてしまうのも，ひとえに神保彰の無類のリズム感と構築力があればこそ！

　特にテクニカル系のラテン・フュージョン・ナンバー＝【ロックス】と【イレブン】での神保彰のドラミングは，他のドラマーでは絶対にこうはならない，という完成度の高いダンサブル・ビート！

　神保彰って，世界一のフュージョン・ドラマーとしてではなく，もしや世界一のラテン・ドラマーとしても通用するのか？　だから「ＪＩＭＳＡＫＵ」だったのか？　そんな神保彰が信頼するのが森村献だったのか？

　そんな「熱帯ＪＡＺＺ楽団」と「ＪＩＭＳＡＫＵ」の細かな音楽性を教えてくれたのが『Ⅳ　～ＬＡ　ＲＵＭＢＡ～』なのです。
　『Ⅳ　～ＬＡ　ＲＵＭＢＡ～』は「あ，こういうことなんだ」って「目から鱗」がどんどん落ちる。そしてそれがどんどん楽しくなってくるタイプの音楽なのです。

　『Ⅳ　～ＬＡ　ＲＵＭＢＡ～』では，森村献の【ドゥエニョ・デル・ソラール】と【ディア・ミスター・ジョーンズ】の連投に絶対に「モッテイカレル」経験ができるはず。【ネオ・ブガロジー】はシークレット・トラックなのか？　８分１７秒からが「熱帯ＪＡＺＺ楽団」の“エンターテインメント！”。

　　01. Dueno del solar
　　02. Dear Mr. Jones : Ironside～Soul Bossanova～Ai No Corrida
　　03. Invitation
　　04. Splash!
　　05. Eleven
　　06. Begin the beguine
　　07. Lupin the third
　　08. Reunan todos
　　09. Neo boogalogy

（ビクター／JVC 2000年発売／VICJ-60642）

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2019年09月10日23:57

カテゴリ: CD批評：FULL MOON (LARSEN-FEITEN BAND))

ニール・ラーセン＆バジー・フェイトン／ラーセン＝フェイトン・バンド

　「フル・ムーン」の『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ』。リリースしたのが時代に早すぎたがゆえにアルバムは売れずにバンドは解散してしまった。
　「フル・ムーン」の分身である「ラーセン＝フェイトン・バンド」名義の『ＬＡＲＳＥＮ－ＦＥＩＴＥＮ　ＢＡＮＤ』（以下『ラーセン＝フェイトン・バンド』）は，ニール・ラーセンの音楽性に，やっと時代が追いつきスマッシュ・ヒット。めでたしめでたし。

　しか～し『ラーセン＝フェイトン・バンド』の真実とは「時代が追いついた」だけではなく「近未来を預言したフュージョン・サウンド」。今聴いてもいつ聴いても新鮮な衝撃を受けてしまう。

　ただし，一般的に『ラーセン＝フェイトン・バンド』について語られる場合は，フュージョンの名盤としてではなくＡＯＲの名盤としてである。
　事実「フル・ムーン」～「ラーセン＝フェイトン・バンド」の時代は，メイン楽器がヴォーカル＆ギターのパターンか，キーボード＆ギターの２パターン構成である。

　『ラーセン＝フェイトン・バンド』の場合も，インストの２曲が秀逸だというだけで，アルバムの全８曲中６曲が歌ものである。これをＡＯＲとジャンル分けされても致し方ない。
　だからどうにも「スティーリー・ダン」っぽく感じてしまうのだが，あちらが豪華ゲストを適材適所で起用した「作り込まれた」名盤であるなら，こちらはバンド・スタイルだから出せた名盤の“味”～。

　「フル・ムーン」と「ラーセン＝フェイトン・バンド」では，ニール・ラーセンとバジー・フェイトン以外のメンバーは全員交代している。
　しかしそれでも（管理人はインスト曲しか聴かないので歌ものを含めた正確な違いについては語れないが）「フル・ムーン」と「ラーセン＝フェイトン・バンド」のスタイルの違いはごくわずかなものだと思っている。
　つまり，それ位にニール・ラーセンとバジー・フェイトンの音がバンドの中心として鳴っているのだ。

　ニール・ラーセンのＪＡＺＺＹでＡＯＲなキーボードとバジー・フェイトンのＲＯＣＫでＲ＆Ｂなギターが実にまろやか！
　ＰＯＰなメロディをキーボードがソウルフルに歌い，ファンキーなグルーヴに乗ったギターがメロディアスに歌うフュージョン・サウンド！

　『ラーセン＝フェイトン・バンド』収録のインストの２曲。【ＦＵＲＴＨＥＲ　ＮＯＴＩＣＥ】と【ＡＺＴＥＣ　ＬＥＧＥＮＤ】が文句なしにカッコイイ！
　特にバジー・フェイトンのギター・ワークの輝きっぷりは『ラーセン＝フェイトン・バンド』での演奏が最高峰だと思わせる凄みがある。

　　01. WHO'LL BE THE FOOL TONIGHT
　　02. DANGER ZONE
　　03. FURTHER NOTICE
　　04. OVER
　　05. SHE'S NOT IN LOVE
　　06. MORNING STAR
　　07. MAKE IT
　　08. AZTEC LEGEND

（ワーナー・ブラザーズ／WARNER BROTHERS 1980年発売／WPCR-732）
（ライナーノーツ／熊谷美広）

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2019年09月07日23:11

カテゴリ: CD批評：TROPICAL JAZZ BIG BAND

熱帯JAZZ楽団／ III ～MY FAVORITE～

　「熱帯ＪＡＺＺ楽団」（「ＴＲＯＰＩＣＡＬ　ＪＡＺＺ　ＢＩＧ　ＢＡＮＤ」）。それは「熱帯」を名乗っているがラテンではない。「ＪＡＺＺ」を名乗っているがジャズではない。「楽団」を名乗っているがビッグ・バンドはない。

　管理人は「熱帯ＪＡＺＺ楽団」＝ラテン・ジャズ・ビッグ・バンドで当たりだと思っていたが，どうやら公式にはそうではない。
　リーダーであるカルロス菅野が説明する「熱帯ＪＡＺＺ楽団」のコンセプトとは“エンターテインメント”！

　管理人の初めての「熱帯ＪＡＺＺ楽団」である『Ⅲ　～ＭＹ　ＦＡＶＯＲＩＴＥ～』を聴いて“エンターテインメント！”という説明が腑に落ちた。
　ジャズあり。フュージョンあり。映画音楽あり。ラテンあり。ポップスあり。ソウルあり。そしてオリジナルもある。

　そう。「熱帯ＪＡＺＺ楽団」の音楽性とはボーダレス。すなわち“エンターテインメント！”。「楽しくなければテレビじゃない。楽しくなければ『熱帯ＪＡＺＺ楽団』じゃない」なのだ。ＴＶは没落してしまったが「熱帯ＪＡＺＺ楽団」は永遠に“エンターテインメント！”。

　フランクな設定のビッグ・バンドにしてビッグ・バンド・メンバーは全員カルロス菅野の友人と来ている。問題が起こるとすれば，メンバー全員が超多忙ゆえにビッグ・バンドとして活動するためのスケジュール調整だけであろう。
　その点も考慮してなのか，塩谷哲に限らずカルロス菅野の出戻りＯＫのスタンスには「先見の明」があったと思う。

　ただし，そんな緩い条件ゆえに，メンバーが入れ替わっても毎度変わらず「熱帯ＪＡＺＺ楽団」の音！ブレのない統一感！が鳴るためのアレンジの苦心には称賛の言葉を惜しんではならない。
　「熱帯ＪＡＺＺ楽団」のバンド・メンバーは全員が日本を代表するファースト・コール・ミュージシャンばかり。その気になれば「超テクニカルな」ラテン・ジャズ・ビッグ・バンドも演れてしまうが，カルロス菅野は敢えてマニアックな方向には敢えて，大衆から愛される「熱帯ＪＡＺＺ楽団」を目指したように思っている。

　管理人にはその理由が（イメージとしては余り結び付きにくいが）「オルケスタ・デ・ラ・ルス」での活動が影響しているように感じている。
　サルサ・バンド「オルケスタ・デ・ラ・ルス」での成功の軌跡が，今度はラテン・ジャズ・ビッグ・バンドを広めたいと願う際の方法論として生かされている。

　サルサ・バンド以上にインストのラテン・ジャズ・ビッグ・バンドって“とっつきにくい”ものだと思う。
　だ・か・ら・インストの間口を広めるための有名曲のカヴァーなのだ！　ジャズあり。フュージョンあり。映画音楽あり。ラテンあり。ポップスあり。ソウルあり。そして最後の最後にアルバムに数曲入れているオリジナル勝負なのだ～！

　『Ⅲ　～ＭＹ　ＦＡＶＯＲＩＴＥ～』では，硬派ＪＡＺＺＹな【マイ・フェバリット・シングス】と軟派ＪＡＺＺＹな【シング・シング・シング】。ディスコな【ガット・トゥ・ビー・リアル】と「オールナイト・ニッポン」のテーマ曲【ビター・スイート・ボンバ】。クインシー・ジョーンズとは「似て非なる」【アイ・キャント・ストップ・ラビング・ユー】が「熱帯ＪＡＺＺ楽団」の“エンターテインメント！”。

　　01. EPOCA DE ORO
　　02. MY FAVORITE THINGS
　　03. GOT TO BE REAL
　　04. SING, SING, SING
　　05. POR QUE NO？
　　06. ROCKS
　　07. BITTER SWEET BOMBA (BITTER SWEET SAMBA)
　　08. RUINAS
　　09. CHERRY PINK AND APPLE BLOSSOM WHITE
　　10. I CAN'T STOP LOVING YOU
　　11. PRENDE EL FUEGO

（ビクター／JVC 1999年発売／VICJ-60389）

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2019年09月04日23:08

カテゴリ: CD批評：FULL MOON (LARSEN-FEITEN BAND))

フル・ムーン／ FULL MOON

　「フル・ムーン」のバンド名の変遷の歴史。最初のバンド名が「フル・ムーン」。次が「ラーセン・フェイトン・バンド」。その次が「フル・ムーン」。

　バンド名が復活した理由はまたの機会に書くとして，要するに「フル・ムーン」とは「ラーセン・フェイトン・バンド」。則ち，ニール・ラーセンとバジー・フェイトンの双頭バンド。
　インスト・フュージョンのニール・ラーセンと歌ものロックのバジー・フェイトンの混成バンド。則ち，そのまんまの「フル・ムーン」の１ｓｔが『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ』なのである。ちゃんちゃん。

　１ｓｔ『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ』と来れば，ジャズとロックが融合した“クロスオーヴァー”ミュージックの走りとして名高い「伝説」の１枚である。
　ニール・ラーセンとバジー・フェイトンだから生み出せた，唯一無二の音楽性＋唯一無二のバランス感覚。これが『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ』の「伝説」たる最大の理由である。

　商業的には不発に終わったものの，山下達郎を筆頭に“早すぎたクロスオーヴァー・サウンド”として，バンド解散後に高く再評価された名盤『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ』。
　『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ』の形容詞“早すぎた～”であるが，時代が追いついた今の耳にも新鮮さ抜群。というよりもニール・ラーセンの“早すぎた～”時代を先取りしミスマッチしているフュージョン・センスには驚きさえ感じてしまう。

　『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ』の“クロスオーヴァー”な音楽性は，ジャズとロック，そしてフュージョンだけでには留まらない。ファンク，ソウル，ラテン，ＡＯＲのエッセンスまでもが融合されている。
　そう。全ての音楽ファンを魅了し，受け入れる“懐の深さ”が『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ』にはあるのです。ニール・ラーセンにはあるのです。

　…とここまで書いてきたが，管理人の正直な評価は『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ』の出来の良さを心から認めるが，実際に『ＦＵＬＬ　ＭＯＯＮ』を引っ張り出して聴くのはインストの４曲だけ。個人的にはミニアルバムっぽい扱いなのです。

　　01. THE HEAVY SCUFFLE'S ON
　　02. TO KNOW
　　03. MALIBU
　　04. TAKE THIS WINTER OUT OF MIND
　　05. MIDNIGHT PASS
　　06. NEED YOUR LOVE
　　07. SELFISH PEOPLE
　　08. HREE STEP DANCE

（ダグラス／DOUGLAS 1972年発売／YDCD-0033）
（ライナーノーツ／バジー・フェイトン，高橋健太郎）

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2019年09月01日23:00

カテゴリ: スーパートリビア：21世紀に残したいジャズBEST&BEST100 FUSION篇

21世紀に残したいジャズBEST&BEST100 ジャズ・フュージョン名盤篇-5

　「スイングジャーナル」誌，２０００年１０月号掲載，岩波洋三，大村幸則，小川隆夫，小西啓一，杉田宏樹，高井信成，中条省平，成田正，藤本史昭，村井康司，田中伊佐資，淡谷幸次の１２名のジャズ評論家が選んだ「２１世紀に残したいジャズＢＥＳＴ＆ＢＥＳＴ１００：ジャズ・フュージョン名盤篇　名盤ベスト１００」。
　今回は６～１０位の発表です。

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★１０．スティル・ライフ ／
パット・メセニー・グループ

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★９．ワード・オブ・マウス ／
ジャコ・パストリアス

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★８．オン・ザ・コーナー ／
マイルス・デイビス

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★７．ヘビー・メタル・ビ・バップ ／
ブレッカー・ブラザース

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★６．ブリージン ／
ジョージ・ベンソン

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　おおっ，マイルス・デイビスの問題作『オン・ザ・コーナー』がランクインするとは，選者であるプロ評論家軍団は本物だと認める。
　個人的にはマイルス・デイビスと来れば『イン・ア・サイレント・ウェイ』が上であるが，突然変異的に発生した“マイルス・デイビス一流のブラック・ファンク・ミュージック”『オン・ザ・コーナー』の佇まいも「２１世紀に残したいジャズ」にふさわしい。

　『オン・ザ・コーナー』というアルバムは，とにかくポリリズムである。しかも難解で予測不能なリズムの上でポリリズムが鳴っている。マイルス・デイビスのトランペットの出番などほぼないに等しい。
　それでも，この破綻した音楽こそがマイルス・デイビスである，という“帝王の濃度”が他のどんなアルバムよりも色濃いと思う。

　『オン・ザ・コーナー』の“孤高”が突出している。前作『ライヴ・イヴル』からの流れもなければ『オン・ザ・コーナー』の続編も存在しない。
　そう。『オン・ザ・コーナー』の代わりとなる音楽は，マイルス・デイビスの全ディスコグラフィーの中に１つもなければ，世界のどこにも存在しやしない。

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2019年08月29日23:00

カテゴリ: CD批評：YAJUH OHKOKU

野獣王国／スイート＆ザ・ビースト

　何だか１度野獣王国を経由したら，野獣以降の是方博邦，野獣以降の難波弘之，野獣以降の鳴瀬善博，野獣以降の東原力哉の聴き方が変わってしまったようでして…。

　野獣王国の良い所は，メンバー全員がフュージョン界の重鎮ながら，バンドとしてはまだ走り出したばかりの「新人バンドの１つ」に所属。他の仕事との掛け持ちにして，定期練習を欠かさない趣味バンドのポリシーとして，バンド・サウンドを固めていく過程が聴ける所。

　もう成長するも何も関係ないレベルの完成されてしまっている４人の野獣メンバー。個人としては「押しも押されぬ大御所」の４人の演奏だが，野獣メンバーの一人として耳を傾けると，ウソか誠か，成長して聴こえてしまうのだからタマラナイ。

　野獣以降の是方博邦，野獣以降の難波弘之，野獣以降の鳴瀬善博，野獣以降の東原力哉が全員，年齢が１０歳は若返ったように聴こえてしまう。

　これもやっぱり，フュージョンの洗練されたしなやかさはもちろん，ロックの野趣溢れる醍醐味も押し出した野獣王国のバンド・サウンドは，まさしく“パワー・フュージョン”と呼ぶに相応しい。
　音楽にパワーを注入しながら自分自身のパワーもチャージできる。そんな良い循環が野獣王国のバンド・サウンドにはあるのだろう。

　野獣王国の第三作『ＳＷＥＥＴ　＆　ＴＨＥ　ＢＥＡＳＴ』（以下『スイート＆ザ・ビースト』）は，濃厚なのにうっとうしくはなく，勢いがありながらも実に繊細な音楽言語で表現されている。オヤジたちが成長している部分である。

SWEET & THE BEAST-3

　『スイート＆ザ・ビースト』の「ＳＷＥＥＴ」担当曲は，スロー・バラードというよりも，紳士的でエレガントに演奏されるロマンティック系から来た「甘さ」が感じられる。
　『スイート＆ザ・ビースト』の「ＴＨＥ　ＢＥＡＳＴ」担当曲は，アイアン・メイデンばりのヘビィ・メタルというよりも，難波弘之お得意のプログレから来た“パワー・フュージョン”仕上げである。

　管理人の結論。『スイート＆ザ・ビースト』批評。

　『スイート＆ザ・ビースト』の聴き所は，メンバー個人のフレッシュな演奏力とバンド・サウンドの真新しさ＆新鮮さにある。
　通常のバンド運営であれば，時間を共有するにつれ，暗黙の了解のうちに演奏がまとまる良さがあるのだが，野獣王国に関しては，時間を共有するにつれ，暴れて良いギリギリの線で勝負できる良さがある。そうしてどんなに暴れようとも，決して外さない信頼感関係がある。

SWEET & THE BEAST-4

　フュージョン・バンドとは本来，野獣王国のように長く活動するにつれ，重責から解放されて，若々しく自由な音楽が演奏できる場所であってほしい。

　出でよ「ＴＨＥ　ＢＥＡＳＴ」！　出でよ，第二の野獣王国！

ＰＳ　普段インナーはスキャンしないのですが「SWEET & THE BEAST-3」「SWEET & THE BEAST-4」の封入漫画は読者の皆さんにも読んでほしいと思いました！　拡大して見て＆楽しんで！

　　01. THREE FUNK BEARS
　　02. THE COURT OF THE BEAST KING
　　03. MAHOROBA '99
　　04. RIPPLET
　　05. HURRICANE-Z
　　06. EUROPEAN RATS
　　07. VIOLET PAPILLON
　　08. MY FOOLISH HEART
　　09. ORBIT
　　10. JINGLE JANGLE JAM
　　11. THEME FROM “E.T.”

（パドルホイール／PADDLE WHEEL 1999年発売／KICP-695）
（ライナーノーツ／吉留大貴）
（ライナー・コミック／とり・みき）

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2019年08月26日23:14

カテゴリ: CD批評：チャーネット・モフェット

チャーネット・モフェット／モフェット＆サンズ

　ウイントン・マルサリスにジョシュア・レッドマンにチャーネット・モフェット。その共通項とは「２世ジャズメン」となる。
　しかし，この３人に限っては単なる「２世ジャズメン」という言葉では言葉でが足りない。今や“親の七光り”を超えて，ジャズ界全体にまで影響を及ぼす「真打ち」の立場に座している。市川海老蔵級なのである。

　そんな「２世ジャズメン」の活躍ぶりを見聞きする時，親の顔（親の音）が気になってくるというもの？
　ウイントン・マルサリスの父親とはブランフォード・マルサリスの父親でもある「ニューオーリンズ・センター・フォー・クリエイティブ・アーツ」のエリス・マルサリス。ジョシュア・レッドマンの父親とはキース・ジャレットの「アメリカン・カルテット」のデューイ・レッドマン。チャーネット・モフェットの父親とは「オーネット・コールマン・トリオ」のチャールズ・モフェット。

　見事な血統！　優秀なサラブレット！
　ＮＯ！　エリス・マルサリス，デューイ・レッドマン，チャールズ・モフェットが育てたのは自分の実の息子だけではない。
　その良い例がチャーネット・モフェットがチャールズ・モフェットと親子共演を果たした『ＭＯＦＦＥＴＴ　＆　ＳＯＮ’Ｓ』（以下『モフェット＆サンズ』）の中に「師弟の音」が色濃く出ている。

　そう。『モフェット＆サンズ』におけるチャールズ・モフェットの息子とはベースのチャーネット・モフェット１人だけではない。
　言わば「義理の息子」であろう，トランペットのフィリップ・ハーバーとウォレス・ルニー，テナー・サックスのビル・ピアスとデビッド・サンチェスとジョシュア・レッドマン，ピアノのジェームス・ウィリアムスの超一線級の面々たち。

　流石に『モフェット＆サンズ』の音楽全体は“天才”チャーネット・モフェットのカラーで染められている。アルバム冒頭の【ＩＭＰＲＥＳＳＩＯＮＳ】での，ベースを転がし続ける大激演に頭の中がガーン。

　ただし，そんなチャーネット・モフェットに指示を送るのがチャールズ・モフェットのドラムであった。チャールズ・モフェットが子供世代の新感覚に付いていっているだけではなく，安定感を保ちながらも新世代を“煽っている”。
　オーネット・コールマン・トリオのフリー・ジャズ・ドラマーの本領発揮にして，やすやすと叩き出された極上のリズムに貫録が漂っている。

　そう。この凄腕世代をひとまとめにして“モフェット・ファミリー”へと迎え入れたチャールズ・モフェットのドラミングが“旗頭”である。

　　01. IMPRESSIONS
　　02. TICO TICO
　　03. HOE DOWN
　　04. SUGAR
　　05. STOLEN MOMENTS
　　06. DELILAH
　　07. WORK SONG
　　08. 81

（スイート・ベイジル／SWEET BASIL 1995年発売／APCZ-8031）
（ライナーノーツ／土倉明）

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2019年08月20日23:16

カテゴリ: CD批評：YAJUH OHKOKU

野獣王国／パワー・ジャングル

　ギターの是方博邦，キーボードの難波弘之，ベースの鳴瀬善博，ドラムの東原力哉から成るセッション・バンドの野獣王国。

　野獣王国というバンド名に“名前負けしない”フュージョン界の重鎮４人組。バンド活動レギュラー化のきっかけは是方博邦の「ＫＯＲＥＫＡＴＡ　ＳＥＳＳＩＯＮ」。
　超大物としての強烈な個性がバンド内の４方向でぶつかり合っているが，それでいて反発せずにフィットするアンサンブルを耳にすると，超多忙のスケジュールの中でレギュラー・バンドに時間を割こうと考えた理由がダイレクトに伝わってくる。

　「ＫＯＲＥＫＡＴＡ　ＳＥＳＳＩＯＮ」で共演を重ねて“相性チリバツ”であることを肌で感じた４人が４人。
　要するに野獣メンバーが「本当に自分のやりたい音楽」での共演者を考えていくと，４人が４人とも「是方博邦＋難波弘之＋鳴瀬善博＋東原力哉」というメンバーに落ち着いたというわけ。
　そして方向としてはセッションを重ねるだけでは生み出せないレギュラー・バンドでの表現で行こうというわけ。

　だから１　本当に個人的な趣味で始めた野獣王国とは，例えるなら「マンディ・ナイト・オーケストラ」みたいなライフ・テーマ・バンドの位置づけなのであろう。力哉さん，事情ですぐにバンド辞めちゃったし…。

　だから２　野獣王国の１ｓｔＣＤはインディーズ発売。それがそこそこ売れたし，大きな会場でライブをするためなら，ということで，２ｎｄはメジャー発売『ＰＯＷＥＲ　ＪＵＮＧＬＥ』（以下『パワー・ジャングル』）という流れ。

　そう。生計手段が別のところにある「プライベート録音」としての性質と「絶対に良いものを作る」というプロ・ミュージシャンとしてのプライドが良い意味でブレンドされたアルバムが『パワー・ジャングル』最大の魅力である。よくある「実験作」とも「冒険作」とも違うし「マンネリ」が入る余地など微塵もないし…。

POWER JUNGLE-3

　管理人の結論。『パワー・ジャングル』批評。

　『パワー・ジャングル』には，もの凄い音の熱さ，もの凄い音の厚み，もの凄い音の深さ，もの凄い音の優しさ，もの凄い音の包容力が記録されている。これこそ相性チリバツで相思相愛の４人が見事に音を重ねた様は，セッション・ワークではなくレギュラー・バンドとして活動してきた最大の成果であろう。

POWER JUNGLE-4

　野獣王国が演奏するのはテクニカル・フュージョンに違いないが，終始，楽曲の世界観を大事にした，その時に必要なテクニックが織り込まれているのが大変好印象なバンド・サウンド。
　とは言えそこは野獣メンバー。どの曲にも凄腕４人の「自己主張」がさり気ない仕方で鳴っている。いいよねぇ。応援したくなるよねぇ。

　野獣王国とは全部の仕事が全部趣味！

ＰＳ　普段インナーはスキャンしないのですが「POWER JUNGLE-3」「POWER JUNGLE-4」の封入漫画は読者の皆さんにも読んでほしいと思いました！　拡大して見て＆楽しんで！

　　01. JUNGLE
　　02. BAKU'S DREAM
　　03. ALICE
　　04. SKELETON CREW
　　05. SUMMER PLACE
　　06. SAVANNA RUN
　　07. PINK WOLF
　　08. FOUR FLOWERS
　　09. SUKIYAKI

（パドルホイール／PADDLE WHEEL 1998年発売／KICP-650）
（ライナーノーツ／熊谷美広）
（ライナー・コミック／とり・みき）

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2019年08月17日23:19

カテゴリ: CD批評：ブラッド・メルドー

ブラッド・メルドー／エレゲイア・サイクル

　ブラッド・メルドーの“芸術”にハマッタ。しばらくは抜け出せそうにない。ブラッド・メルドーにはもっとピアノ・ソロを出してほしい。

　ブラッド・メルドー初のピアノ・ソロ『ＥＬＥＧＩＡＣ　ＣＹＣＬＥ』（以下『エレゲイア・サイクル』）を１週した時には，こんな感想など抱かなかった。
　それどころか書き譜のピアノ・ソロはダメだ。面白くないとさえ思った。頭の中にキース・ジャレットの即興ピアノ・ソロのイメージがあるためなのだろう。そろそろブラッド・メルドーをキース・ジャレットと比較しながら聴くのをやめなければならない。

　ブラッド・メルドー批評の中でキース・ジャレット批評を展開するのは良くないが，後述する『エレゲイア・サイクル』批評に関係してくると思うのでご理解願いたい。

　キース・ジャレットのピアノ・ソロは，そのほとんどがライブ録音である。だからダイレクトにキース・ジャレットの感情の動きが音に出て来る。キース・ジャレット独特の「唸り」なしでも，キース・ジャレットの感情の高まりを聴き分けることが出来る。
　そんな“絶対王者”キース・ジャレットのピアノ・ソロの中に，数は少ないがスタジオ録音盤が幾作かある。そしてこれが超名盤揃いなのである。

　ではなぜキース・ジャレットは，ピアノ・ソロのスタジオ録音をやめて，ライブ録音だけを発表するようになったのか？　それは練習し過ぎてキース・ジャレット本人が新鮮味を失うことを嫌ったからだと管理人は考える。要はキース・ジャレットは「創造の瞬間」を今まで以上に大切に扱うようになった。
　あるいは…（自分の中でも諸説を持っております。この続きはいつかキース・ジャレット批評の中で書かせていただこうと思います）。

　この一発勝負の場だから生み出せる「創作」のピアノ・ソロと構成を練り上げて完成した「作品」としてのピアノ・ソロ。聴いて圧倒されるのは，恐らくライブ盤であるが，繰り返し聴き込み愛聴盤になるのはスタジオ盤の方に分がある。
　かのキース・ジャレットのピアノ・ソロのスタジオ盤『ＦＡＣＩＮＧ　ＹＯＵ』と『ＳＴＡＩＲＣＡＳＥ』における「これしかない」と思わせる完成度の高さは“作曲家”キース・ジャレットの“天武の才”を証ししている。

　『エレゲイア・サイクル』の『サイクル』とは「循環」の意。『エレゲイア・サイクル』の全９曲が１枚のトータル・アルバムとして「循環」している。
　『エレゲイア・サイクル』はブラッド・メルドーの「美の循環」の音階で満ちている。

　『エレゲイア・サイクル』は，視聴を重ね，理解が深まり，イメージが具現化されて初めて楽しむことのできるアルバムである。抽象的なイメージのまま聴き続けている間はジャズではない。クラシック寄りの現代音楽のピアノ・ソロであろう。
　しかし，一旦イメージが固まったなら『エレゲイア・サイクル』はジャズのど真ん中に位置しており，他の誰の真似でもないブラッド・メルドー・オリジナルなピアノ・ソロに愛着を覚えることだろう。

　だから“作曲家”ブラッド・メルドーとしての『エレゲイア・サイクル』なのである。だから『エレゲイア・サイクル』はブラッド・メルドーの“芸術作品”なのである。

　ブラッド・メルドーの彩りが深い。次々と現われては消えていく『エレゲイア・サイクル』の感動の大波が幾度も周期をなして巡ってくる。

　　01. Bard
　　02. Resignation
　　03. Memory's Tricks
　　04. Elegy for William Burroughs and Allen Ginsberg
　　05. Lament for Linus
　　06. Trailer Park Ghost
　　07. Goodbye Storyteller (for Fred Myrow)
　　08. Ruckblick
　　09. The Bard Returns

（ワーナー・ブラザーズ／WARNER BROTHERS 1999年発売／WPCR-10338）
（ライナーノーツ／ブラッド・メルドー）

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2019年08月14日23:11

カテゴリ: CD批評：TETHERED MOON

テザード・ムーン／プレイ・クルト・ワイル

　クルト・ワイルという作曲家など良く知らない。だからテザード・ムーンによる「クルト・ワイル集」『ＰＬＡＹ　ＫＵＲＴ　ＷＥＩＬＬ』（以下『プレイ・クルト・ワイル』）の，どこがどう凄いかはうまく説明できない。
　ただこれだけは言える。『プレイ・クルト・ワイル』を毎回聴く度に悶絶してしまう。音数の少ない３人の音符が腸にまで達し，内臓が震えて口から飛び出してきそうな感じがする。

　テザード・ムーンの『プレイ・クルト・ワイル』は，耳とか頭で感じる前に，身体の内部が反応するジャズ・ピアノの音がする。快感が超音波のように到達する。こんな音体験，生涯中に滅多に出来るものではない。
　凄いぞ，菊地雅章！　凄いぞ，ゲイリー・ピーコック！　凄いぞ，ポール・モチアン！　凄いぞ，テザード・ムーン！

　…と書き出してみたが，管理人のジャズ・コレクションの中にはクルト・ワイルの作品がチラホラ。慌てて２０００枚のコレクションの中から【モリタート】【スピーク・ロウ】【マイ・シップ】の演奏を聴き直す。

　ズバリ『プレイ・クルト・ワイル』の衝撃とは，先の超音波の波動を超えて，腎臓結石を砕石するレーザー級の破壊力！　テザード・ムーンの名演は，無類のジャズ・ジャイアンツたちの名演より「一枚も二枚も上手」を行く！

　こんな【モリタート】なんか聴いたことがない。こんな【スピーク・ロウ】なんか聴いたことがない。こんな【マイ・シップ】なんか聴いたことがない。と言うかこんなアプローチがあったのかいっ！

　クルト・ワイルの「歌」を音の元素に還元し，主従関係どころか楽器のキャラクターからも離れ，それを自由に交換する即興演奏の場の中で始原のリズムとハーモニーを浮かび上がらせる。

　ピアノ・トリオのこのような在り方はテザード・ムーンが初めてだったし，今でもテザード・ムーンの他に似たようなのピアノ・トリオが在るとは思わない。
　深い。深すぎる…。潔い。潔よすぎる…。ギリギリのところで発せられる音。そのエッジの鋭さ。スペイシーで緊張感と安らぎが同居する不思議な感覚に神経が研ぎ澄まされていく…。

　菊地雅章は本当に弾いていない。その菊地雅章が空けたスペースをゲイリー・ピーコックが天才的に埋めていく。そしてやっぱりモチアンである。モチアンのドラミングが全てだと思う。
　完璧な３人のコンビネーション＆完璧な３人のソロ。こんなにもスローなのにテンションの高いインプロが聴けるとは，大袈裟ではなく「生きてて良かった」の思いがする。

　管理人の結論。『プレイ・クルト・ワイル』批評。

　今回，名曲揃いと初めて認識したクルト・ワイルの譜面がもたらす，独特の緊張感と構造美が素晴らしい！　無意識の領域まで解放しながら，それでいて３人とも共鳴できる“崩しまくった”インタープレイが素晴らしい！　原曲のモチーフの美しさに魅せられてしまった３人の“喰いつきぶり”が素晴らしい！

　『プレイ・クルト・ワイル』とは，テザード・ムーンの厳かな解釈で生まれ変わった「新クルト・ワイル集」にして「新スタンダード」集である。
　こんなにも内省的なスタンダード集はそうは聴けやしない。菊地雅章と同時代に生まれたことを心から幸運に思う。

　　01. ALABAMA SONG
　　02. BARBARA SONG
　　03. MORITAT
　　04. SEPTEMBER SONG
　　05. IT'S NEVER WAS YOU
　　06. TROUBLE MAN
　　07. SPEAK LOW
　　08. BILBAO SONG
　　09. MY SHIP

（バンブー／BAMBOO 1995年発売／POCJ-1264）
（ライナーノーツ／小川隆夫）

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2019年08月10日23:00

カテゴリ: CD批評：FRUITSCAKE

フルーツケーキ／フルーツケーキ 3 サマー・レミニスンス

　『ＦＲＵＩＴＣＡＫＥ　３　ＳＵＭＭＥＲ　ＲＥＭＩＮＩＳＣＥＮＣＥ』（以下『フルーツケーキ　３　サマー・レミニスンス』）を聴いて思うこと。
　それはフルーツケーキはなぜこうも音楽スタイルを変えるのか？　売れているのに急ぎ過ぎではなかったのか？

　『ＦＲＵＩＴＣＡＫＥ』から『ＦＲＵＩＴＣＡＫＥ　２』への音楽スタイルの変化が想像以上の激変であって，そしてガックリ来たのだったが『フルーツケーキ　３　サマー・レミニスンス』を聴いた時の衝撃は『ＦＲＵＩＴＣＡＫＥ　２』の衝撃以上！

　ズバリ『フルーツケーキ　３　サマー・レミニスンス』の真実とは“シャカタクの二番煎じ”に尽きる。
　ついにコーラス隊が入った。サックスも入った。シャッフル・ビートも入った。その結果，フルーツケーキは純粋なフュージョン・バンドではなくなってしまった。アーバンでＡＯＲな洋モノ・バンドのコンテンポラリー・サウンドが前面に出てきている。

　あぁ，かってのシンプルな美メロ一発の爽やかフュージョン・バンドとしての面影はどこへ消えてしまったのだろう。ライトでポップで耳当たりのよい「不思議の国のＢＧＭ」なイマジネーションが感じられない。
　フルーツケーキも当時のシャカタクが歩んだように，ヨーロピアンを捨てアメリカンを身にまとったように感じてしまった。そっちに行ったらライバルは五万といるというのに。勿体ないよなぁ。

　フルーツケーキがフルーツケーキとしてのアイデンティティを失った『フルーツケーキ　３　サマー・レミニスンス』。その中で管理人が評価したのは【ＢＲＥＡＫＰＯＩＮＴ　１００】【ＲＨＹＴＨＭ＋ＳＨＯＥＳ】【ＭＥＬＬＯＷ　ＭＯＶＥＳ】の３曲のみ。
　この評価軸の中に，管理人が聴き狂ったフルーツケーキの“らしさ”は感じられない。かつてのフルーツケーキを聴きたいと思っていたファンからすると，正直さみしかった。でもそれだけではなく逆の意味でうれしさも感じたことを記憶している。

　そう。管理人にとって『フルーツケーキ　３　サマー・レミニスンス』というアルバムは「新生フルーツケーキ」の第一作である。
　フルーツケーキが新スタイルで放った射矢が管理人のハートに刺さった意味が大きかった。そもそもシャカタクが好きなんだもん。

　光の速さで変貌していくフルーツケーキの新しい音楽の旅を受け入れようと決意を固めた。『ＦＲＵＩＴＣＡＫＥ　４』でますますシャカタク化して，商業音楽化していく過程を楽しもうと決意を固めた。

　なのに，待てど暮らせど『ＦＲＵＩＴＣＡＫＥ　４』は発売されずじまい。
　限界の一歩手前で綺麗に身を引いたのが，フルーツケーキが今も“幻のフュージョン・バンド”であり“伝説のフュージョン・バンド”として，酒の席で語られ続ける理由なのであろう。

　フルーツケーキは『ＦＲＵＩＴＣＡＫＥ』の１枚だけ聴けば良い。そして『フルーツケーキ　３　サマー・レミニスンス』はシャカタクを一周してから聴けば良い。

　　01. TRAVELLIN'
　　02. KEEP IT UP
　　03. BREAKPOINT 100
　　04. LITTLE CHAKA
　　05. PARTLY CLOUDED
　　06. EVOLUTION
　　07. RHYTHM+SHOES
　　08. GIRLS
　　09. PIT INN
　　10. MELLOW MOVES
　　11. DREAM ON
　　12. HANDS FOR SALE

（ビクター／JVC 1986年発売／NCS-748）
（ライナーノーツ／苦楽健人，熊谷美広）

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2019年08月07日23:00

カテゴリ: CD批評：山中千尋

山中千尋／プリマ・デル・トラモント

　山中千尋の『ＰＲＩＭＡ　ＤＥＬ　ＴＲＡＭＯＮＴＯ』（以下『プリマ・デル・トラモント』）は「ミセス・山中千尋」のものであって「ちーたん」のものではない。

　管理人がこう宣言するのは（こう宣言しなければならなくなったのは）『プリマ・デル・トラモント』のＣＤジャケットの破壊力のせいである。
　まず『プリマ・デル・トラモント』について語らねばならないのは（不本意ながら）ビジュアルである。これまでの歴代のＣＤジャケットも山中千尋の美しさ，キュートでチャ－ミングな容姿を“売り”にしてきたに違いない。
　『プリマ・デル・トラモント』における山中千尋の美しさが「桁違い」。圧倒的である。それにしても男目線だよなぁ。本当はこんなジャケットが大好きなんだけど，どことなくアイドルの写真集を買うことに似た“ためらい”を感じた。ネット通販って便利な世の中です。はい。

　さて，話を本論に戻そう。世の男性の中には『プリマ・デル・トラモント』を“ジャケ買い”した人がいるかもしれない。買いたくなる気持ちは分かる。でも，正直
『プリマ・デル・トラモント』を“ジャケ買い”などしてほしくはない。山中千尋をビジュアル系の一人のような扱いで聴いてほしくはない。

　可能なら『プリマ・デル・トラモント』は内容とジャケットを切り離して聴いてもらいたい。ジャケットが星５つならば内容は星６つの超名盤だからだ。

　そう。『プリマ・デル・トラモント』は，これが例えば，ブサイク系の写真のジャケットとか，あるいは真っ黒や真っ赤なジャケットであっても購入すべき超名盤である。
　だから本当は『プリマ・デル・トラモント』の紹介としてジャケットの話なんかは書きたくなかった。でもブルーノート側が，絶対に避けて通ることのできない大インパクトの写真を使ってきたのだからお許しを～。

　…と言うことで，ジャケットの賛否抜きに，演奏内容を大絶賛する『プリマ・デル・トラモント』批評のはじまりはじまり～。

　『プリマ・デル・トラモント』のテーマは２つある。１つはブルーノート所属アーティストとしてのブルーノート創立８０周年としてブルーノートのヒット曲（と言っても【ＣＨＥＲＯＫＥＥ】【ＳＷＥＥＴ　ＬＯＶＥ　ＯＦ　ＭＩＮＥ】【ＢＬＵＥ　ＭＩＮＯＲ】の３曲だけ。【Ｃ　ＪＡＭ　ＢＬＵＥＳ】はブルーノート“馴染みの”１曲ということで）を取り上げたアルバムである。
　もう１つは山中千尋の愛するミシェル・ペトルチアーニ没後２０周年として，ミシェル・ペトルチアーニの愛奏曲（と言っても【ＰＡＳＯＬＩＮＩ】【ＬＯＯＫＩＮＧ　ＵＰ】の２曲だけ）を取り上げたアルバムでもある。

　まっ，ミシェル・ペトルチアーニもブルーノートの契約アーティストだったから強引にブルーノート・クラシックとして扱うのもありなのだが，残りの５曲はいつも通りの山中千尋のオリジナル集。
　結局のところ山中千尋の魅力とは，元ネタあっての“絶品のアレンジ力”にあるのだが，最近の傾向として，ちょっと落ち着いてきた「ちーたん」というか，オリジナルの雰囲気を大切にした“絶品のピアノ・トリオ”の方に主戦場があるように思う。

　その意味で『プリマ・デル・トラモント』は「ちーたん」ではなく「ミセス・山中千尋」によるストレートなジャズ・アルバム。
　こういう「淑女系のピアノ」が，これまたたまらなくよいし，エレピで狂喜しない，真面目で素直な「ちーたん」の真骨頂でもある。１人の“ジャズ・ピアニスト”としてのシンプルな立ち振る舞いが実にお見事である。
　成熟した雰囲気と新機軸が同居している。肩の力が抜けていながらも新しい展開が垣間見える。小気味の好いジャズ・ピアノが２つのリズム・セクションの個性に合わせてスイングし続けている。自然と音楽に没頭できる。実に素晴らしい。

　『プリマ・デル・トラモント』をフラゲしてから聴きまくったこの１ヶ月間。【ＧＥＮＮＡＲＩＮＯ】【ＰＡＳＯＬＩＮＩ】【ＮＥＶＥＲ】【ＬＯＯＫＩＮＧ　ＵＰ】の神曲３曲に，身も心も首ったけのメロメロ状態が続いている。

　あれれっ？　この４曲を選曲したことに自分自身で驚いている。管理人はこれまでずっと山中千尋と来れば，アレンジを崩しまくった，誰にも真似することのできない孤高の“変態サウンド”が大好きだった。
　それって大抵の場合はエレピの「ちーたん」が代名詞であった。なのに『プリマ・デル・トラモント』のお気に入りはアコースティック・ピアノばかり。

　『プリマ・デル・トラモント』のリズム隊には，レギュラー・トリオである脇義典とジョン・デイヴィスに加えて，今を時めくロバート・グラスパー・トリオのヴィセンテ・アーチャーとダミオン・リードが参加している。
　これまでの管理人ならロバート・グラスパー・トリオのリズム隊に耳が行くはずなのだが，耳に付くのは脇義典とジョン・デイヴィス組の緩急自在なリズムの方。

　山中千尋の音楽性を数年後に振り返った時『プリマ・デル・トラモント』が「ミセス・山中千尋」の転換点になった，と評価するかもしれません。
　どうやら管理人は制御不能なエレピの「ちーたん」よりも，安定の本格路線「ミセス・山中千尋」が好きになってしまったようなのです。

ＰＳ　「PRIMA DEL TRAMONTO-4」は販促用のクリアファイルです。

　　 CD
　　01. Gennarino
　　02. Pasolini
　　03. Thinking Of You
　　04. Never
　　05. Cherokee
　　06. Sweet Love Of Mine
　　07. Looking Up
　　08. Blue Minor
　　09. Solitude／C Jam Blues
　　10. Prima Del Tramonto

　　 DVD
　　01. Cherokee
　　02. Cucciolo
　　03. Sweet Love Of Mine

（ブルーノート／BLUE NOTE 2019年発売／UCCJ-9218）
★【初回限定盤】　ＵＨＱＣＤ＋ＤＶＤ

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2019年08月04日23:07

カテゴリ: CD批評：FRUITSCAKE

フルーツケーキ／フルーツケーキ 2

　耳タコのように『ＦＲＵＩＴＣＡＫＥ』を聴きまくって，友達にフルーツケーキを勧めていたら「新しもの好き」が評判となり，学年中で株が高騰していた？セラビー。
　みんなに勧めていた手前，ポシャッタらおしまいという気持ちの中で『ＦＲＵＩＴＣＡＫＥ　２』（以下『フルーツケーキ　２』）がリリースされた。

　自分の中では『フルーツケーキ　２』は４曲だけだった。それこそ全曲大好きな『ＦＲＵＩＴＣＡＫＥ』からすると駄盤に思えて「ちょっとまずい」と思っていたが，友達はみんな『フルーツケーキ　２』も気に入ってくれた。
　不安から解放されて「そうだろう」的に得意気に自慢していた自分が今もって恥ずかしい。それが『フルーツケーキ　２』についての一番の思い出である。

　さて，上記の大当たりの４曲とは【ＣＡＳＩＮＯ　ＪＵＭＰ】【ＢＲＥＡＫＦＡＳＴ　ＡＴ　ＢＥＮＮＹ’Ｓ】【ＧＡＭＥ　ＦＯＲ　ＴＷＯ】【ＭＡＲＩＭＢＡ】。
　この４曲の共通項。それこそ全４曲がシンセ曲。つまりはベニー・バンの世界観である。管理人にとってフルーツケーキの魅力とはベニー・バンの美メロであり，ベニー・バンのキーボードである。あっ，打ち込みっぽい８ビートもかなりの好物でした。

　実はフルーツケーキ。『フルーツケーキ　２』からはバンドのメンバーが入れ替わって，レギュラー・メンバーはキーボードのベニー・バンとギターのロブ・タエキマによるユニット体制へと変化している。
　それだけではなく『フルーツケーキ』のメイン・コンポーザーはベニー・バンであったが『フルーツケーキ　２』のメイン・コンポーザーはロブ・タエキマになっている。

　フルーツケーキのバンド内の事情は知る由もないが，当時中学生だった管理人の耳にもフルーツケーキの音楽性の変化については隠せない。
　キーボードとギター以外はサポート・メンバーという立ち位置のせいなのか，カチカチとしたビートからグルーヴ感あるリズムへと変化しているように聞こえる。　スカ，ボサノヴァ，サンバを上手く取り入れた多彩なアプローチが飽きさせない。総勢７人ものサポート・ベーシストとサポート・ドラマーの参加効果ありあり～。

　そうして何と言っても『フルーツケーキ　２』と来ればリズム・ギターの突出について語らねばならない。ストレートなギター・フュージョンにはオランダではなく日本の遺伝子を重ねてしまう？

　ギターの妙なアーチキュレーションが気になってしまう『フルーツケーキ　２』。だから長らく『フルーツケーキ』からすると落ちるという印象であったが，今回『フルーツケーキ　２』批評のために何回も聴き直す行為がそれはそれは楽しくて楽しくて…。

　『フルーツケーキ　２』が落ちることはなかった。『フルーツケーキ　２』は駄盤ではなかった。
　『フルーツケーキ　２』も管理人「青春の１枚」だったことを自分自身で再認識してしまいましたとさ。

　　01. HEARTBEAT
　　02. WASHINGTON SQUARE
　　03. COOL AND GENTLE
　　04. LOBSTER FUSION
　　05. CASINO JUMP
　　06. BREAKFAST AT BENNY'S
　　07. KAYO
　　08. SCREEN MUSIC
　　09. YOU CAN MAKE ME
　　10. GAME FOR TWO
　　11. MARIMBA
　　12. BEN'S BOSSA
　　13. SUPER STRUTT

（ビクター／JVC 1984年発売／NCS-747）
（ライナーノーツ／苦楽健人，熊谷美広）

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2019年07月25日23:00

カテゴリ: CD批評：FRUITSCAKE

フルーツケーキ／フルーツケーキ

　ヨーロッパ発のフュージョン・バンドの四天王。それがシャカタク，レヴェル４２，メゾフォルテ，フルーツケーキである。

　そのうちシャカタクとレヴェル４２は「ブリティッシュ・ファンク」と称される，上物はお洒落なロマンティック系なのに下物はビンビン・ビートがたまらない。共に歌ものが大ヒットしたのでフュージョン界の人気バンドとして現役活動中のバンドでもある。
　残るメゾフォルテとフルーツケーキだが，こちらは同じヨーロッパでもメゾフォルテがアイスランドでフルーツケーキがオランダである。ヨーロッパの小国でニッチな市場を荒らしまくったフュージョン・バンドである。

　アメリカン・フュージョンに近い「ブリティッシュ・ファンク」とは一線を画す，クラシック王国，ヨーロッパ発のアドリブ偏重ではなくメロディー・ラインとアレンジを重視した「親しみやすいポップ・フュージョン」に身も心も癒される。
　未だスタイルを変えながら活動を続けるメゾフォルテとは違い，全精力を３枚のアルバムに捧げて解散したフルーツケーキだが，その３枚の魅力を絞ると，デビュー・アルバム『ＦＲＵＩＴＣＡＫＥ』（以下『フルーツケーキ』）１枚の音に集約されると思う。

　フルーツケーキの七不思議。フュージョン・バンドなのに一番“バンドっぽい”のがデビュー・アルバムであって，２枚目はユニットっぽいし，３枚目はセッションっぽい。時が進むにつれてバンドが崩壊していく印象を持つ。時代にもニーズにも逆行していく“ブラック・ホール・バンド”の１つだと思っている。

　そんな一番端正なフュージョン・サウンドがアルバム１枚，丸ごと楽しめる『フルーツケーキ』。
　１曲１曲の出来が最高に素晴らしい。全曲イントロが流れ出すと，ワクワク・ドキドキ・ウキウキ・たまに涙。お洒落で透明で癖がないので，直にメロディーが耳に，頭に，身体全体に沁み渡っていく。ベニー・バンの美メロがダイレクトに入ってくる。
　レヴェル４２のように「ファンク」するのではなく，明るく軽快にステップしながら階段を登る気分？　実に爽快で快感である。

　そんなフルーツケーキの個性がちょっとしたＢＧＭに最適であった。商用利用されまくった。８０年代のある時期，管理人だけでなく全日本国民の耳に，頭に，身体全体に，ＴＶやラジオ番組のＢＧＭを通して浸透した。
　あのバブル景気の明るい未来の印象操作に『フルーツケーキ』が一役買っていたのだ。管理人は本気でそう思っています。ペコリ。

　だから管理人は宣言する。『フルーツケーキ』を１枚聴き通して，この中の１曲すら聞いたことのないという人は，ジャズ／フュージョンに限定されない「音楽モグリ」である（帰国子女は除く～）。

　大ヒット・シングル【Ｉ　ＬＩＫＥ　ＴＨＥ　ＷＡＹ】で一気に持っていかれた後に流れるチャーミングすぎる【Ａ　ＬＩＴＴＬＥ　ＰＬＡＣＥ　ＩＮ　ＭＹ　ＨＥＡＲＴ】の後で流れる【ＰＡＲＴＹ　ＩＮ　ＢＲＡＳＩＬ】のボコーダー・シンセに押し倒された後に【ＷＥ’ＲＥ　ＨＥＲＥ　ＴＯ　ＰＬＥＡＳＥ　ＹＯＵ】で百貨店かファッション・ビルにショッピングに行き【ＹＯＵ’ＶＥ　ＧＯＴ　ＭＥ　ＧＲＯＯＶＩＮ’】でダンシング。【ＲＩＯ　ＤＲＥＡＭ】で一休みしておセンチ気分で聴き入った後は【ＷＨＥＥＬＩＮ’　ＡＮＤ　ＤＥＡＬＩＮ’】でピクニック。【ＳＵＭＭＥＲ　ＭＥＬＯＤＹ】が“無垢に”また聴かせてくる。【ＩＮ　ＴＨＥ　ＲＩＧＨＴ　ＤＩＲＥＣＴＩＯＮ】の波が押し寄せてくる。大波である。ラストの３曲はキャッチー・フュージョン。カシオペアを意識したのが【ＳＨＯＲＴ　ＴＩＭＥ】でシャカタクを意識したのが【ＴＲＹ　ＳＩＸ】でメゾフォルテを意識したのが【ＭＥＬＴＩＮＧ　ＰＯＴ】。おしマイケル。あ～，楽しかった！

　　01. I LIKE THE WAY
　　02. A LITTLE PLACE IN MY HEART
　　03. PARTY IN BRASIL
　　04. WE'RE HERE TO PLEASE YOU
　　05. YOU'VE GOT ME GROOVIN'
　　06. RIO DREAM
　　07. WHEELIN' AND DEALIN'
　　08. SUMMER MELODY
　　09. IN THE RIGHT DIRECTION
　　10. SHORT TIME
　　11. TRY SIX
　　12. MELTING POT

（ビクター／JVC 1984年発売／NCS-746）
（ライナーノーツ／苦楽健人，熊谷美広）

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2019年07月21日23:00

カテゴリ: CD批評：CASIOPEA (CASIOPEA 3RD)

カシオペア・サード／ PANSPERMIA

　カシオペアの４０周年記念盤『ＰＡＮＳＰＥＲＭＩＡ』が出た。
　カシオペアの４０周年記念は，手放しに「めでたい」限りではあるが，継続して活動してきたスクェアとは違ってカシオペアには活動休止の期間が６年もあるし，個人的にもカシオペアから離れていた期間が４，５年はあるし個人的には４０周年のメモリアルに特別な感情は抱いていない。

　しかし，４０周年記念というよりは別の意味で『ＰＡＮＳＰＥＲＭＩＡ』にはリキが入ってしまった。そもそも管理人はカシオペアに変化など期待してはいない。いい意味でのマンネリを心から受け入れることができている。
　だから野呂一生特有のメロディー・ラインが新曲でも聴けるというだけで，いつでも幸せに満たされてしまう。管理人のようなカシオペア・ファンは多いように肌で感じている。そんなカシオペア・ファンにとって『ＰＡＮＳＰＥＲＭＩＡ』は極上品の１枚に成り得ると思う。

　カシオペアというバンド名は星座の名前であり，野呂一生と櫻井哲夫のユニットはペガサスであり，代表曲は【ＳＰＡＣＥ　ＲＯＡＤ】【ＳＴＡＲＳ　ＯＦ　ＴＨＥ　ＳＴＡＲ】【ＧＡＬＡＣＴＩＣ　ＦＵＮＫ】【太陽風】だし（まだまだあるし）。

　その意味で「宇宙からの贈り物」というテーマで制作された『ＰＡＮＳＰＥＲＭＩＡ』は「宇宙」つながりというカシオペアの原点に還った４０周年記念にふさわしいコンセプト・アルバムであり，これが往年のカシオペア・ファンのツボを押してくる。

　そう。「宇宙」とカシオペアの組み合わせは「ごはんと味噌汁」級の“永遠の鉄板”！　野呂一生一流の「アウト・オブ・ザ・ワールド」！
　いや～，名曲集だし名演集だし，曲単位なら【ＤＡＹＳ　ＯＦ　ＦＵＴＵＲＥ】【ＥＶＥＲＹ　ＭＯＭＥＮＴ】の神曲収録の『ＴＡ・ＭＡ・ＴＥ・ＢＯＸ』には迫れなかったが，アルバム単位なら『ＰＡＮＳＰＥＲＭＩＡ』が３ｒｄになってから一番のアルバムだと思う。

　『ＰＡＮＳＰＥＲＭＩＡ』のようなコンセプト・アルバムは１ｓｔや２ｎｄでは表現できなかった音楽である。くすんだ暗く深いネイビー・ブルーのような宇宙色の音楽である。【ＢＥＹＯＮＤ　ＴＨＥ　ＧＡＬＡＸＹ】は３ｒｄの“看板を張れる”超名曲である。

　「スリル・スピード・テクニック」的な【ＡＰＰＲＯＸＩＭＡＴＩＯＮ】。大高清美の“らしさ”爆発【ＥＮＣＥＬＡＤＵＳ】。お決まりのソロ廻しが楽しい【ＬＯＯＳＨ】と【ＴＨＥ　ＵＮＩＶＥＲＳＥ　ＯＦ　ＬＯＶＥ】もヘビロテ中～。

　コンセプト・アルバム『ＰＡＮＳＰＥＲＭＩＡ』の出来の良さ。それにはコンセプト・アルバムとなると異次元の天才的な才能を発揮するチック・コリア並の野呂一生の作曲能力に尽きる。だって『ＰＡＮＳＰＥＲＭＩＡ』は「宇宙」そのものの音だもん。
　そして，まるで野呂一生の“頭の中を覗いたかのような”鳴瀬喜博，大高清美，神保彰の「野呂さん寄せ」の提供曲がどれも一級品。

　昔は向谷実のシンセこそがカシオペアだと思っていたが，今では大高清美のオルガンこそがカシオペアだし“古いＳＦ”のような『ＰＡＮＳＰＥＲＭＩＡ』には大高清美のオルガンが欠かせない。

　そして『ＰＡＮＳＰＥＲＭＩＡ』成功のキーマンに指名されたナルチョのベースが絶好調。野呂一生の意図を掴んだ“古いＳＦ”にはナルチョの「年の功」が見事に表現されている。

　先にカシオペアに変化は期待しないと書いたが，野呂一生はカシオペアを変革していこうと算段している？　まさかの某ト〇ックス方面？

　野呂一生のチャレンジが「特典ＤＶＤ」での【ＢＥＹＯＮＤ　ＴＨＥ　ＧＡＬＡＸＹ】のＭＶの中に記録されている。これが必見でした！
　「ＡＩＲ　ＣＡＳＩＯＰＥＡ」って管理人がいつも自宅でやっていることじゃないかっ！　本家本元にこれをやられたらこちらは終わりではないかっ！　何とも微笑ましくて，見ているこっちがニッコニコ！

　　CD
　　01. BEYOND THE GALAXY
　　02. APPROXIMATION
　　03. ENCELADUS
　　04. SOME WHEN SOME WHERE
　　05. THE WARP
　　06. LOOSH
　　07. SPACE LOCOMOTION
　　08. A HERO OF THE PLANET
　　09. STAR SEEDS
　　10. THE UNIVERSE OF LOVE

　　DVD
　　01. BEYOND THE GALAXY [MV]
　　02. BONUS
#1 MAKING OF PANSPERMIA
#2 BEYOND THE GALAXY PERFECT CASIOPEA 3rd
#3 BEYOND THE GALAXY AIR CASIOPEA 3rd

（ハッツ・アンリミテッド／HATS UNLIMITED 2019年発売／HUCD-10284/B）
（☆ＢＬＵ－ＳＰＥＣ　ＣＤ２＋ＤＶＤ仕様）
（☆スリップ・ケース仕様）
★１６Ｐブックレット

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2019年07月16日23:39

カテゴリ: CD批評：フレディ・レッド

フレディ・レッド／シェイズ・オブ・レッド

　管理人は昔は完全に「演奏派」であったが，最近，自分は「演奏の前に曲が好きなんだ」ということを自覚している。上原ひろみがピアノ科ではなく作曲科に進んだのは正解だよなぁ。

　ジャズ界にも名作曲家が幾百人と存在するが，有名どころの名前が挙がって出尽くしたと思うタイミングで名を挙げると「おお，やるな」と思われる作曲家がいる。言わば管理人のとっておきの名作曲家がフレディ・レッドである。

　ズバリ，フレディ・レッド紹介の枕詞はピアニストではなく作曲家である。管理人はフレディ・レッドは若さの盛りを過ぎてオジサンになってから聴いた。つまりジャズの名盤なるものを一通り聴いて後で，１０００枚以上は聴いていたはずの耳にして「こんなにもキャッチーなジャズがあるなんて！」と感動したことを覚えている。

　こうは書いてもフレディ・レッドの作る曲はホレス・シルヴァーとかベニー・ゴルソンのような「分かりやすい系」ではない。
　事実『ＳＨＡＤＥＳ　ＯＦ　ＲＥＤＤ』（以下『シェイズ・オブ・レッド』）の聴き所は，ジャッキー・マクリーンとティナ・ブルックスの「陰りのあるフロントの味」であろう。このムードで吹けるフロントは，この組み合わせでないと出て来ないと思う。
　ジャッキー・マクリーンとティナ・ブルックスの音色が重なった瞬間の幸福感を何と表現すれば良いのだろう。語彙の乏しい管理人は，言葉になる前に涙腺から涙がこぼれてくる感覚が実感としてある。

　しかし，ジャッキー・マクリーンとティナ・ブルックスの２人が揃えば，いつでもこんなムードで演奏できるというわけではない。曲である。
　フレディ・レッドの作る曲があればこそ，ジャッキー・マクリーンとティナ・ブルックスの「陰りのあるフロントの味」が爆発する。派手さやキャッチーさこそ物足りないが，じっくりと耳を傾けると全曲ドラマティックな展開で大サビが動いていく。
　明るいテーマの中に何故か常に哀愁が漂うフレディ・レッドの世界観があるからこそ，粋でロマンティックでミステリアスなムードだからフロントの名演にアルフレッド・ライオンも魅了されたのだろう。

　ジャッキー・マクリーンとティナ・ブルックスというマイナー調の音色とフレージングを想定したかのようなズバ抜けた作曲センス。
　仮にフレディ・レッドが「泣きの２管」の存在を想定していなかったとしても，個性の塊のようなジャッキー・マクリーンとティナ・ブルックスを結果“飲み込んでしまう”作曲能力は“桁外れの天才”である。

　…って，ここまで“ジャズ・ピアニスト”としてのフレディ・レッドについては書いてこなかったが，正直，ピアニストとしてのフレディ・レッドは“味わい勝負”。
　この辺りは先の上原ひろみとは差がありすぎる。ジャッキー・マクリーンと来ればマル・ウォルドロンだから，フレディ・レッドもマル・ウォルドロン・クラスとだけ書いておこう。

　“味わい勝負”のフレディ・レッドのピアノは曲全体のアレンジの一部として機能していくピアノである。
　音数の少なさが生み出す絶妙の間というかスペースが『シェイズ・オブ・レッド』を都会的なフレイバーで包み込んでいる。フロントが何処となくお洒落にまとまっているのは，和声と旋律をギリギリまで溶け合わせてしまった中性的なピアノによるところが案外大きい。

　繊細で孤高なピアノマンのフレディ・レッド。フレディ・レッドが光り輝いているのは，プレイング・マネージャーとしてピアノを弾いている時間ではなく，ピアノの指を止めている「作・演出の裏方稼業」の時間なのである。

　ブルーノートの大量名盤群の中でも独特の光を放っている『シェイズ・オブ・レッド』。
　管理人は確信している。フレディ・レッドの大仕事とは，単なるピアニストでもなく単なる作曲家でもなく，共演者が生き自分も生きレーベルの個性も生きる「ブルーノートの総合演出家」であったと確信している。

　あのデューク・ピアソンがいなければブルーノートのプロデューサーの椅子にはフレディ・レッドが座っていたと思っている。

　　01. THESPIAN
　　02. BLUES-BLUES-BLUES
　　03. SHADOWS
　　04. MELANIE
　　05. SWIFT
　　06. JUST A BALLAD FOR MY BABY
　　07. OLE

（ブルーノート／BLUE NOTE 1961年発売／TOCJ-6530）
（ライナーノーツ／ナット・ヘントフ，原田和典）

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2019年07月13日23:53

カテゴリ: CD批評：West／Rock／Woods

West／Rock／Woods ／ JAMZZ#3

　『ＪＡＭＺＺ＃１』は「和製ＥＪＴ」。『ＪＡＭＺＺ＃２』はクラブ・ジャズ。『ＪＡＭＺＺ＃３』にもなるとジャンルレスでボーダーレス。

　『ＪＡＭＺＺ＃３』は，ただただ気持ちの良い音楽である。ただただ西嶋徹がクリエイトし，ただただ岩瀬立飛がエモーションし，ただただ林正樹が軽やかな音楽なのである。

　だから『ＪＡＭＺＺ＃３』は，じっくり入り込んでもよし。流し聴きをしてもよし。聞き終わるとジーンと来る何かがある。その何かはその日の聴き方やその日の気分や体調にもよる。だって『ＪＡＭＺＺ＃３』はジャンルレスでボーダーレスなのだから…。

　「ＷＥＳＴ／ＲＯＣＫ／ＷＯＯＤＳ」がグイグイくる。ベースもピアノもいい演奏だが，管理人には岩瀬立飛のドラムに尽きる。

　実は所々でピアノではなくドラムがリードを取っている。「ＷＥＳＴ／ＲＯＣＫ／ＷＯＯＤＳ」最大の魅力は，ドラムによるベースもピアノの“踊り喰い”である。

　勿論，アップテンポでもミディアムテンポでも強弱があって，ただのクラブ系と同じではないのだが，バラードを聴くと「ＷＥＳＴ／ＲＯＣＫ／ＷＯＯＤＳ」のオリジナリティがよく伝わってくる。

　「ＷＥＳＴ／ＲＯＣＫ／ＷＯＯＤＳ」は５年後１０年後，クラブ・ジャズが淘汰された後の再評価でどこまで登り詰められるか？だと思う。
　大物が多いドラム業界だから，大声では言えないが，管理人の胸の内を小声で書くと「岩瀬立飛が日本一のジャズ・ドラマー」です！

　　01. 9 space
　　02. 晴れ水
　　03. Route246
　　04. 緋色の道
　　05. Safety Net
　　06. Arconics
　　07. Janamdin
　　08. 幻灯
　　09. memory tree
　　10. Waking
　　11. 滲む
　　12. プレーケストーレン
　　13. 9 space (reprise)

（ヴィレッジ／VILLAGE 2009年発売／IVCL-5）
（ライナーノーツ／菊地成孔，須永辰緒，葉加瀬太郎）

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2019年07月10日23:00

カテゴリ: CD批評：チック・コリア

チック・コリア・トリオ／トリロジー2

　ピアノのチック・コリア，ベースのクリスチャン・マクブライド，ドラムのブライアン・ブレイドによる，チック・コリアの何代目かの新ピアノ・トリオによるライブ盤『ＴＲＩＬＯＧＹ　２』（以下『トリロジー２』）が真に素晴らしい。

　リスナーのすぐ目の前でチック・コリア，クリスチャン・マクブライド，ブライアン・ブレイドのビッグネームの３人が“最高の音楽の会話”を交わしているかのような臨場感に圧倒されてしまう。

　「ＣＤ２枚組」の圧倒的ボリューム。そのほとんどが１０分を超える長尺集。“最高の音楽の会話”が止まらないのだ。ジャズ界の最高峰に君臨する３人だからこそ，分かりあえる＆語り合える“最高の音楽の会話”が詰まっている。
　だから（『トリロジー２』では『トリロジー』のように「総収録時間３時間２０分以上」とＣＤ帯に謳われてはいないが）躍動感に溢れたタイトな演奏に引き込まれ，ふと聴き始めたが最後。一気に２時間の長丁場を完走してしまった。
　そう。『トリロジー２』の真実とは，長時間聴いても聴き飽きないピアノ・トリオ。それどころかまだまだ聴きたくなる。

　あの『トリロジー』から５年も経っているというのに『トリロジー２』の出だしの一音を聴いて，５年前の『トリロジー』の興奮が湧き上がってくる。正真正銘の続編である。

　…というよりも『トリロジー』の３枚に続く『トリロジー２』の２枚が，それぞれディスク４とディスク５のように感じる。
　そう。『トリロジー』＋『トリロジー２』＝５枚組『ＴＲＩＬＯＧＹ　ＬＩＶＥ』で間違いない。

　すなわち『トリロジー２』は『トリロジー』のアウト・テイク集などではない。演奏のクオリティは同じか，あるいはそれ以上！　ますますレベルアップして聴こえる瞬間がある＆ある×ある。

　ジャズメンといえども年齢を重ねるにつれ，手慣れた表現方法に留まり，英知や機知に頼り，自身の栄光の中に安住するようになると思うのだが，チック・コリアの場合は違う。
　チック・コリアは年齢を重ねるにつれ，ますます冒険的で大胆になっていく稀代のジャズメンである。

　尤もクリスチャン・マクブライドとブライアン・ブレイドの圧倒的な創造力を一番近くで浴びているのだから，チック・コリアも過去の栄光の上に胡坐をかいてなどいられない。
　２人に負けじと，最先端のジャズに乗り遅れまいと，必死に真剣にピアノをドライブさせている。“鬼のような”ジャズ・ピアノの連続にはもうひれ伏すことしかできない。

　ベースのクリスチャン・マクブライド，ドラムのブライアン・ブレイドも凄いのだが『トリロジー２』のハイライトはチック・コリアの「横綱級」のピアノに尽きる。
　チック・コリアの，瞬時のインタープレイ＆怒涛のアドリブに燃えまくる！

　『トリロジー』＋『トリロジー２』＝５枚組『ＴＲＩＬＯＧＹ　ＬＩＶＥ』までが世に出ましたが，当然『トリロジー３』の発売予定もありますよねっ。『ＣＯＭＰＬＥＴＥ　ＴＲＩＬＯＧＹ　ＬＩＶＥ』なるボックス・セットの発売予定もありますよねっ。

　お願いです。超名演の「お宝音源」を絶対に手元で眠らせないでください。管理人は『ＴＲＩＬＯＧＹ』シリーズが最終的に１０枚組になろうとも全部買って全部聴き込みます！　素晴らしい！

　　CD1
　　01. How Deep Is the Ocean
　　02. 500 Miles High
　　03. Crepuscule with Nellie
　　04. Work
　　05. But Bueautiful
　　06. La Fiesta

　　CD2
　　01. Eiderdown
　　02. All Blues
　　03. Pastime Paradise
　　04. Now He Sings, Now He Sobs
　　05. Serenity
　　06. Lotus Blossom

（ストレッチ・レコード／STRETCH RECORDS 2018年発売／UCCJ-3038/9）
（☆ＳＨＭ－ＣＤ仕様）
（ＣＤ２枚組）
（ライナーノーツ／ロビン・Ｄ．Ｇ．ケリー，原田和典）

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2019年07月07日23:22

カテゴリ: CD批評：West／Rock／Woods

West／Rock／Woods ／ JAMZZ#2

　「ＷＥＳＴ／ＲＯＣＫ／ＷＯＯＤＳ」については『ＪＡＭＺＺ＃１』が普通すぎて期待外れだったので，もう買うつもりはなかったのだが，某ジャズ友から「セラビーだったら絶対好きなはずだから！」と猛プッシュを受け，お金をドブに捨ててもよいと思ったので『ＪＡＭＺＺ＃２』を購入。

　でもこれが大正解！　すごくいい！　この音大好き！　やっぱり西嶋徹のベースであった。流石は岩瀬立飛のドラムであった。めちゃめちゃ林正樹のピアノであった。
　「ＷＥＳＴ／ＲＯＣＫ／ＷＯＯＤＳ」の演奏力を見直した！

　『ＪＡＭＺＺ＃１』からレーベル移籍＆レコード会社移籍の現実。世評的にも「和製ＥＪＴ」路線はちょっと違ったのだろう。
　そ・こ・で「ＷＥＳＴ／ＲＯＣＫ／ＷＯＯＤＳ」復権の全ては「レコード番長」須永辰緒の大仕事！

　実は『ＪＡＭＺＺ＃２』。アドリブログでは『ＪＡＭＺＺ＃２』と統一表記しておきますが，正式には『ＪＡＭＺＺ＃２』ではなくて『ＪＡＭＺＺ＃２　ＳＯＮＧ　ＳＥＬＥＣＴＥＤ　ＢＹ　ＴＡＴＳＵＯ　ＳＵＮＡＧＡ』だったのです。

　そう。ＤＪ／プロデューサーでもある須永辰緒が「ＷＥＳＴ／ＲＯＣＫ／ＷＯＯＤＳ」をクラブ系へとプロデュース。

　前作『ＪＡＭＺＺ＃１』はロック集であったがゆえに「和製ＥＪＴ」止まりであったのが『ＪＡＭＺＺ＃２』ではジャンルの枠を広げて，クラブ・シーンの元ネタを素材に再構築したジャズ・ピアノが「ＥＪＴ」を軽々と越えている。

　「ＷＥＳＴ／ＲＯＣＫ／ＷＯＯＤＳ」の第４の男＝須永辰緒の敏腕が，刺激的なアートの薫り高い独特のムードを生み出している。ダークでスタイリッシュなサウンドがイマジネーションを掻き立てている。

　　01. Tetrahedron
　　02. Moonlight Shadow
　　03. Each and Everyone
　　04. The Love Cats
　　05. Living Through Another Cuba
　　06. Only Love Can Break Your Heart
　　07. Oh Yeah
　　08. Black, Brown and Gold
　　09. Dr.Mabuse
　　10. Dark Adaptation

（ポリスター・ジャズ・ライブラリー／P.J.L. 2005年発売／MTCJ-3033）
（デジパック仕様）
（ライナーノーツ／須永辰緒）

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2019年07月04日23:02

カテゴリ: CD批評：ベニー・ウォレス

ベニー・ウォレス／ベニー・ウォレス＆チック・コリア

　『ＴＨＥ　ＢＥＮＮＩＥ　ＷＡＬＬＡＣＥ　ＴＲＩＯ　＆　ＣＨＩＣＫ　ＣＯＲＥＡ』（以下『ベニー・ウォレス＆チック・コリア』）は，サイドメンとして参加した“チック・コリア買い”であった。

　…というか，テナー・サックスのベニー・ウォレスって誰？　お恥ずかしながらベニー・ウォレスについてはこのアルバムで初めて知った。
　だからなのだろう…。チック・コリア以上に，初めて耳にしたベニー・ウォレスの個性に魅了されてしまった。

　ベニー・ウォレスのテナー・サックスの特徴は，豪放でエモーショナルなブロウ。しかし，これがストレートな表現ではないのだ。決して難しい表現ではないのだが，余り聴き慣れない音階での大らかなブロウ。
　トリッキーで引っ掛かるフレーズが淀みなく出てくるプレイ・スタイルが，どこかエリック・ドルフィーっぽい感じというか，サックスではないがどこかセロニアス・モンクっぽいというか…。

　そんなベニー・ウォレスだから，いつもはベースのエディ・ゴメスとドラムのダニー・リッチモンドとのピアノレス・サックス・トリオでブイブイ言わせている。
　そんな完成されたピアノレス・フォーマットに「リターン・トゥ・フォーエヴァー」を解散し，再びアコースティックなジャズと向き合い始めたチック・コリアがゲスト参加している。とてもゲスト参加とは思えない４人の連動ぶりに何度驚かされたことであろう。

　そう。『ベニー・ウォレス＆チック・コリア』は一期一会のセッション・アルバムにして，出会うべくして出会ったベニー・ウォレスとチック・コリアのバンド演奏のフロントマンの音で満ちている。

　管理人は『ベニー・ウォレス＆チック・コリア』でのチック・コリアのピアノを聴いていると，何度も『スリー・カルテッツ』のピアノが脳裏に浮かんだことがある。

　『スリー・カルテッツ』が１９８１年録音。『ベニー・ウォレス＆チック・コリア』が１９８２年録音。この論理，案外当たっている！？

　あのマイケル・ブレッカーとベニー・ウォレスがチック・コリアを介してシンクロしている！　チック・コリアの硬質でモダンで不協和音的なピアノ響きが２人のテナー・タイタンを躍らせている！　狂わせている！
　凄いぞ，チック・コリア！

　　01. THE BOB CROSBY BLUES
　　02. MYSTIC BRIDGE
　　03. MY ONE AND ONLY LOVE
　　04. FOXTROT
　　05. 'LLOWED
　　06. OUTLINE

（エンヤ／ENJA 1982年発売／K30Y 6234）
（ライナーノーツ／上蔭彰太）

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2019年06月27日23:14

カテゴリ: CD批評：フレディ・ハバード

フレディ・ハバード／レッド・クレイ

　【レッド・クレイ】に関しては，フレディ・ハバードの決定的な代表曲になったばかりか「ＣＴＩオールスターズ」や「Ｖ．Ｓ．Ｏ．Ｐ．」のレパートリーにもなった。
　ズバリ，フレディ・ハバードの“最高傑作”が『ＲＥＤ　ＣＬＡＹ』（以下『レッド・クレイ』）である。

　『レッド・クレイ』の成功の秘訣は，新主流派の創作で得た高度で多彩なアプローチを，ＣＴＩ独特のポップな意匠で包み込んだエイト・ビートのクロスオーバー・ジャズ。
　こんなクロスオーバー・ジャズを演奏できたのは『レッド・クレイ』セッションに集まったメンバー全員が新主流派の重鎮だったからであろう。この非フュージョンの独特なノリは新主流派をリアルタイムで経験しないと出て来ないように思う。

　トランペットのフレディ・ハバード，テナー・サックスのジョー・ヘンダーソン，エレクトリック・ピアノのハービー・ハンコック，エレクトリック・ベースのロン・カーター，ドラムのレニー・ホワイトがエレクトリック・コンセプトで熱演している。
　そう。ハービー・ハンコックがエレクトリック・ピアノを弾いている以外は，ゴリゴリの「王道ジャズ」な１枚である。

　フレディ・ハバードの突き抜けるハイトーンと，エレクトリック・ベースでぐいぐい引っ張るロン・カーターのドライブ感にヤラレテしまう　→　フォードのＶ８エンジン的な８ビートに削られてしまう　→　重量級の４ＷＤ的な４ビートに鷲掴みされてしまう。
　『レッド・クレイ』には，パワフルで色彩豊かでポピュラリティなフレディ・ハバードの個性が投影された大名演なのである。

　モードからフリーまでのショーケース的なイントロから一転して，抑揚の効いたリズム隊が一度前に出てからのホーン隊のユニゾン＆アドリブ合戦がＣＯＯＬでＨＯＴなのがＣＴＩ印な【レッド・クレイ】が最高なのだが，今の耳で聴き直してみると８ビートの表題曲より４ビートの２曲のほうが遙かに活きがよい。
　ハービー・ハンコックのメロウなエレピが入ると，単なるオールド・ジャズの焼き直しではなくなる大名演。

　ハービー・ハンコックにとって「Ｖ．Ｓ．Ｏ．Ｐ．」への伏線は『レッド・クレイ』にあった。
　マイルス・デイビスを担ぎ出せずとも，マイルス・デイビスの後継者＝フレディ・ハバードを担ぎ出せればそれで十分だった。フレディ・ハバードのトランペットの何とも言えぬイメージング！

　　01. Red Clay
　　02. Delphia
　　03. Suite Sioux
　　04. The Intrepid Fox

（ＣＴＩ／CTI 1970年発売／KICJ 2332）
（☆ＢＬＵ－ＳＰＥＣ　ＣＤ仕様）
（ライナーノーツ／小川充）

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2019年06月24日23:00

カテゴリ: CD批評：West／Rock／Woods

West／Rock／Woods ／ JAMZZ#1

　西嶋徹のＷＥＳＴ，岩瀬立飛のＲＯＣＫ，林正樹のＷＯＯＤＳ。それぞれの頭文字を取って結成されたピアノ・トリオの「ＷＥＳＴ／ＲＯＣＫ／ＷＯＯＤＳ」。

　木住野佳子との西嶋徹のベース，国府弘子とアキコ・グレースとの岩瀬立飛のドラム，菊地成孔との林正樹のピアノが頭の中でいつでも完コピできる体質の管理人としては，この西嶋徹＋岩瀬立飛＋林正樹の超硬派で変態チックなジャズ・ピアノを期待して購入した。

　…が，しかし。「ＷＥＳＴ／ＲＯＣＫ／ＷＯＯＤＳ」のジャズ・ピアノとは「和製ＥＪＴ」スタイルであった。正直ガッカリ。

　ＥＪＴがそうであるように演奏については文句なしに素晴らしい。アレンジもアドリブも面白いと思う。でもどこかで耳にしたことがあるようなないような…。
　厳密には違うのだろうけど雰囲気が“もろ”ＥＪＴのアレしている？

　１人１人は相当凄いのに，西嶋徹＋岩瀬立飛＋林正樹の三人寄れば，コーヒーのお供か読書のお供！

　管理人の結論。『ＪＡＭＺＺ＃１』批評　

　「ロックの名曲をジャズにアレンジした，革新的ピアノ・トリオ」のコピーは過大広告である。非革新的な『ＪＡＭＺＺ＃１』を真剣に聴いたら疲れてしまった。繰り返し聴いたら疲れてしまった。

　その意味でも「ＷＥＳＴ／ＲＯＣＫ／ＷＯＯＤＳ」は「和製ＥＪＴ」と思ってほぼ間違いない。エロジャケにも反対である。

　　01. Hush
　　02. Eat The Rich
　　03. Black Dog
　　04. With Or Without You
　　05. Layla
　　06. Enter Sandman
　　07. 21st Century Schizoid Man
　　08. Every Breath You Take
　　09. Bohemian Rhapsody
　　10. Theme Of West Rock Woods

（ターゲット・エンタテインメント／TARGET ENTERTAINMENT 2005年発売／TQCQ-3001）

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2019年06月20日23:03

カテゴリ: CD批評：フレディ・ハバード

フレディ・ハバード／ブルー・スピリッツ

　フレディ・ハバードにとって『ＢＬＵＥ　ＳＰＩＲＩＴＳ』（以下『ブルー・スピリッツ』）は，ハービー・ハンコックの『エンピリアン・アイルズ』『処女航海』やウエイン・ショーターの『スピーク・ノー・イーヴル』録音の時期と重なる「油の乗り切った」最良の時代の演奏である。

　仮に『ブルー・スピリッツ』が『エンピリアン・アイルズ』『処女航海』『スピーク・ノー・イーヴル』と同じく，トランペットのフレディ・ハバード，テナー・サックスのウエイン・ショーター，ピアノのハービー・ハンコック，ベースのロン・カーターの布陣で制作されていたならば「偉大なるサイドメン」としてのフレディ・ハバードの人生も大きく変わっていたことと思う。

　それくらいの重要な時期にフレディ・ハバードが発表したのが，４管編成アンサンブル集の『ブルー・スピリッツ』であった。
　なぜこのタイミングで『ブルー・スピリッツ』だったのか？　『ブルー・スピリッツ』は新主流派というよりも，管楽器でベース・ラインを膨らませたジャズ・ロックに分類される。

　結果として駄盤認定の『ブルー・スピリッツ』であるが，フレディ・ハバードとしては４管編成アンサンブル集の『ブルー・スピリッツ』こそが「一番の自信作」なので当然のことに過ぎない。

　「人生を賭けた大勝負」で，旧いジャズ・ロックから最先端の新主流派までを１枚で表現している。作曲と編曲をこなしている。分厚いくせに軽いアンサンブルが聴き所。
　そう。『ブルー・スピリッツ』のようなアルバムは，世界で唯一人，フレディ・ハバードでないと作ることのできなかったアルバムなのだった。

　ただし，持てる力を全部発揮したからと言って，それだけではいい音楽は作れない。やっぱりここはハービー・ハンコックやウエイン・ショーターに「頼み込んででも」参加してもらうべきだった。
　そして『エンピリアン・アイルズ』『処女航海』『スピーク・ノー・イーヴル』の続編を歩むべきだった。

　『ブルー・スピリッツ』の制作は３年後がベストであった。実は３年後に『ブルー・スピリッツ』と同じアプローチで制作されたアルバムがある。ハービー・ハンコックの『スピーク・ライク・ア・チャイルド』である。

　４菅編成の『ブルー・スピリッツ』と３管編成の『スピーク・ライク・ア・チャイルド』は，共にギル・エヴァンスの影響を受けたであろう壮大なオーケストレーションが聴き所である。

　しかし両者が決定的に異なるのは『ブルー・スピリッツ』がアンサンブルを聴くためのジャズなのに対して『スピーク・ライク・ア・チャイルド』のアンサンブルはおまけであって，主役はあくまでもハービー・ハンコックのピアノなのである。

　３管には柔らかなムードだけを求めたハービー・ハンコックが一枚上手である。フレディ・ハバードの『ブルー・スピリッツ』での失敗は，とことん４菅にこだわりすぎたこと。４菅に音楽的な必然性を持たせることは難しかったかなぁ。

　　01. SOUL SURGE
　　02. BLUE SPIRITS
　　03. OUTER FORCES
　　04. CUNGA BLACK
　　05. JODO

（ブルーノート／BLUE NOTE 1965年発売／TOCJ-4196）
（ライナーノーツ／ナット・ヘントフ，原田和典，ケニー・ワシントン）

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2019年06月17日23:36

カテゴリ: CD批評：本多俊之

本多俊之／リード・マイ・リップス

　デビュー当時は“フュージョン・サックス・プレイヤー”として鳴らしていた本田俊之だったが『マルサの女』の大ヒット以来，多国籍音楽のリリースばっかり。
　そんなルーティーンを打ち破って，本田俊之が久々にリリースしたフュージョン・アルバムが『ＲＥＥＤ　ＭＹ　ＬＩＰＳ』（以下『リード・マイ・リップス』）である。

　しかも『リード・マイ・リップス』は，単なるフュージョン・アルバムではない。真にワールド・クラスのセッション・ミュージシャンが「本田俊之・フュージョン」のために集結している。

　ドラムのヴィニー・カリウタ，ベースのニール・スチューベンハウス，ギターのマイケル・ランドウ，パーカッションのマイケル・フィッシャー，トランペットのジェリー・ヘイ，トランペットのゲイリー・グラント，アルト・サックスのラリー・ウイリアムス，テナー・サックスのピート・クリストリーブ，ギターの梶原順，パーカッションの横山達治　ＥＴＣ

　『リード・マイ・リップス』は，ＬＡフュージョンとＪ－フュージョンの２つのセッション・チームに分かれて録音されているのだが，どっちがＬＡでどっちが国内だとか，そんな切れ目など感じられない。
　そう。『リード・マイ・リップス』の全９曲が，全て「本田俊之・フュージョン」としか語れない。

　『マルサの女』と『リード・マイ・リップス』。音楽の出発点も終着点も雰囲気もまるっきり異なっている。でもそのどちらにも本田俊之のサックスが色濃い。

　本田俊之のサックスは，ハードに吹いてもソフトに吹いても，まろやかでいつも優しさに包まれる。
　なんだか，あのヴィニー・カリウタやマイケル・ランドウでさえ，本田俊之と“笑顔で”セッションしている様子が音から伝わってくる。

　　01. CRASH COURSE
　　02. LA JOLLA
　　03. INASE NIGHT
　　04. MIND GAMES
　　05. SIESTA
　　06. FANCY FREE
　　07. COMME CI, COMME CA
　　08. HIGH SPEED CHASE
　　09. 約束の夏～Farewell my summer

（東芝ＥＭＩ／WHO RING 1992年発売／TOCT-6702）

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2019年06月14日23:52

カテゴリ: CD批評：フレディ・ハバード

フレディ・ハバード／ブレイキング・ポイント

　フレディ・ハバードがジャズ・メッセンジャーズから独立し，自分のグループで活動を始めたのが『ＢＲＥＡＫＩＮＧ　ＰＯＩＮＴ』（以下『ブレイキング・ポイント』）からである。
　これまでは何だかんだと称賛されても，所詮雇われ稼業。自分の音楽を追及したかったフレディ・ハバードとしては遅咲きのスタートとなった。

　フレディ・ハバードがソロとして活動するに当たり，意識したのは作曲であろう。初期のアルバムではさっぱりだったオリジナル曲が，次第にぽつぽつと入って来るようになり，フレディ・ハバードの体内で起きている変化を感じていたわけだが『ブレイキング・ポイント』を聴いて，完全に“作曲家”フレディ・ハバード推しなのが分かる。

　そう。フレディ・ハバードはジャズ・トランペッターとしては超一流の人。コンポーザーとしてもなかなかの一流の人であろう。
　しかし，どうにもフレディ・ハバードには悪い意味での「軽さ」がつきまとう。紛れもない天才でありジャズ・ジャイアントの一人であるのに，いつでも選外。ＴＯＰ１０ではなくＴＯＰ２０に位置する男。

　『ブレイキング・ポイント』を聴いていつも感じるのはフレディ・ハバードのマイナス面である。フレディ・ハバードは決定的にリーダー・シップが欠けている。
　『ブレイキング・ポイント』を録音していて「上手くいかない感。しっくりいかない感」をフレディ・ハバードは感じたのではなかろうか？
　ジャズ・メッセンジャーズと同レベルのメンバーと楽曲が揃っているのに，思い通りにまとまらない…。

　ここが超一流止まりのフレディ・ハバードと「マイスター」のアート・ブレイキー，あるいはマイルス・デイビスとの「差」なのであろう。
　バンドを締め付けないアート・ブレイキーとバンドを締め上げるマイルス・デイビス。それぞれタイプは真逆であるが強力なリーダーシップでバンドを引っ張り上げる“稀有な”存在感で共通する。
　嘘か誠か，これは真実なのだが，自分が演奏を休んでいる時間にもアート・ブレイキーとマイルス・デイビスの音が聴こえるというものだ。

　『ブレイキング・ポイント』におけるフレディ・ハバードはどうだろう？　残念ながら，やっぱり存在が「軽い」。よく表現される実験盤にも達していない「中途半端なカッコ良さ」で終わっている。あと一歩突き抜けそうで突き抜けきれない。
　『ブレイキング・ポイント』を聴いて，これをフレディ・ハバードのアルバムだと認識できる人は少ないことだろう。フレディ・ハバードに欠けているのは，リーダー・シップの１点だけだが，これがジャズメンの資質としては想像以上に大きいのだ。

　だから管理人はメインを張るではなく，サイドメンに回った時のフレディ・ハバードの演奏が好きだ。フレディ・ハバードに関してはリーダー作ではなくゲスト参加のアルバムばかりを聴いてしまう。
　つまりはフレディ・ハバードの天賦の才とは「演奏する人」なのだ。演奏に特化された時のフレディ・ハバードのトランペットは間違いなく最強であろう。

　極論を書けば『ブレイキング・ポイント』の真実とは，フレディ・ハバードが世間で受けそうだと思ったものを寄せ集めてきた「当時の流行最先端」なアルバムである。
　そこにフレディ・ハバードなりの明確なビジョンやコンセプトがあれば大ヒットとなったであろう。しかし『ブレイキング・ポイント』のベースにあるのは，まだまだジャズ・メッセンジャーズのメンバー，フレディ・ハバードとしてのジャズなのだ。

　管理人の結論。『ブレイキング・ポイント』批評。

　『ブレイキング・ポイント』には良くも悪くも“モーダルなフレディ・ハバード”がそこにいる。
　アート・ブレイキーとは違う“モーダル”を目指したのだろうが，表面上は新しいが根っ子の部分は伝統のジャズに支配されていて振り切れていない。

　一気に音楽性を変える難しさ。そして継続的に新鮮味を打ち出す難しさ。フレディ・ハバードも脱退して初めてアート・ブレイキーの「偉大さ」に気付いたに違いない。

　　01. BREAKING POINT
　　02. FAR AWAY
　　03. BLUE FRENZY
　　04. D MINOR MINT
　　05. MIRRORS

（ブルーノート／BLUE NOTE 1964年発売／TOCJ-4172）
（ライナーノーツ／レナード・フェザー，原田和典，田原悠）

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2019年06月11日23:04

カテゴリ: CD批評：富樫雅彦

富樫雅彦／スピリチュアル・ネイチャー

　今では一般の日常語となった「スピリチュアル」という言葉はいつ頃から世間に定着したのだろう。恐らくは美輪明宏のあのＴＶ番組のせいなのだろう。この世は「スピリチュアル」の花盛り。猫も杓子も「スピリチュアル」の文字を見る。

　しかし，巷に「スピリチュアル」がどんなに溢れようとも，管理人的には「スピリチュアル」と来れば『ＳＰＩＲＩＴＵＡＬ　ＮＡＴＵＲＥ』（以下『スピリチュアル・ネイチャー』）一択！　もはや３０年以上前から「スピリチュアル」は来ていたのだ！

　そうして『スピリチュアル・ネイチャー』と来れば，次は富樫雅彦と来るのだろうが，管理人の場合は違う。
　確かに『スピリチュアル・ネイチャー』は富樫雅彦のリーダー・アルバムではあるが，このアルバムを「日本のジャズの金字塔」と紹介されることがあるように『スピリチュアル・ネイチャー』は，すでに富樫雅彦の手を離れて，７０年代のフリー・ジャズを総括したような１枚に位置にある。

　ズバリ『スピリチュアル・ネイチャー』の真髄とは，組曲にして，真にあらゆる束縛から解放されたジャズ。だからクリエイティブで自由なジャズ。つまりはフリー・ジャズの範疇を超えている。

　専門的な書き方をするとフリー・ジャズと『スピリチュアル・ネイチャー』のようなクリエイティブで自由なジャズとは別物である。
　フリー・ジャズという言葉の響きからか，フリー・ジャズとは「何でもあり」のように思えて，実はそうではない。インプロヴィゼーションとは違うのである。

　そう。『スピリチュアル・ネイチャー』は，フリー・ジャズを出発点としたインプロヴィゼーションの組曲である。
　もう少しフリーに寄ってもインプロに寄っても，これほどまでに“崇高なジャズ”とはならなかったことであろう。難解さなど微塵も感じられない。組曲となる５曲の主旋律は全部，池田芳夫のベースが弾いているのだから…。

　管理人は思う。『スピリチュアル・ネイチャー』が成功したのはフリー・ジャズを出発点としたしたからだと思う。
　富士登山にしても須走ルートとか御殿場ルートとかの登山口がある。勿論，登山口から出発しなくても頂上を目指すことは可能だが実際にはどうなのだろう。途中で下山することばかりであろう。
　それと同じで『スピリチュアル・ネイチャー』のような音楽は，ハード・バップやモード，新主流派から出発しても決して登頂できやしない。これまでジャズはそうやって多くの獣道を作ってきたわけであるが，そのどれもが８合目か９合目まで止まりだった。

　キース・ジャレットにしてもパット・メセニーにしても，そして富樫雅彦にしても，人生の中で一度は本気でフリー・ジャズと格闘したからこそ，その上を経験することができた。９合目の「その先」を見ることができたのだ。

　『スピリチュアル・ネイチャー』のライナーノーツの中に富樫雅彦が見た「その先」についての記述がある。
　「フリー＝自由は，演奏する側よりも聴く側にある。そしてその時点で，奏者と聴衆が一体となって創造し，また想像しうるとき，両者の断絶は取り除かれるはず。このことは，すべての音楽の形式を問わず＜コミュニケートする＞ための一番大切な条件ではないか」。

　うーむ。「聴く側に委ねられる自由」。様々な情報や経験で自分に合うテンプレートに照らして聴くことしか出来ないから，フリー・ジャズを難しく感じてしまうものなのだろう。

　富樫雅彦が『スピリチュアル・ネイチャー』で提示したものとは「沈黙」ではなかっただろうか？
　『スピリチュアル・ネイチャー』を聴いていると，自然と想像している自分，黙想している自分に気付くことがある。と同時にライブ盤なのに，無観客のホールで演奏しているような雰囲気とのＧＡＰを意識することがある。

　この異様な無歓声のライブ録音。最初は管理人も編集によるものだと考えていたが，ここ数年あまりは，これって本当に観客全員が静かに座って聴いていた結果なのかも，と思うようになった。
　富樫雅彦の狙い通りの「沈黙」である。「腕組み瞑目して音楽に没頭する」。当時のジャズ・ファンなら有り得なくもない？

　さて，冒頭の「スピリチュアル」ブームに戻る。「スピリチュアル，スピリチュアル」って大騒ぎして，結局は自由で自然な精神世界を自分自身で縛っているのでは？

　その意味で「スピリチュアル」ブームはニセモノである。真にあらゆる束縛からの解放は『スピリチュアル・ネイチャー』のインプロヴィゼーションの組曲の中で既に提示されていた。“崇高なジャズ”こそが真に「スピリチュアル」なのである。

　　01. THE BEGINNING
　　02. MOVING
　　03. ON THE FOOTPATH
　　04. SPIRITUAL NATURE
　　05. EPILOGUE

（イースト・ウィンド／EAST WIND 1975年発売／EJD-3050）
（ライナーノーツ／清水俊彦）

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2019年06月08日23:00

カテゴリ: CD批評：フレディ・ハバード

フレディ・ハバード／ボディ・アンド・ソウル

　『ＴＨＥ　ＢＯＤＹ　＆　ＴＨＥ　ＳＯＵＬ』（以下『ボディ・アンド・ソウル』）の主役はフレディ・ハバードではない。ウェイン・ショーターである。

　そんな主役の２人は共にジャズ・メッセンジャーズの同僚として活動中。共演を重ね，新しいアンサンブルを重ねながらフレディ・ハバードの方からウェイン・ショーターを誘ったのかな？　『ボディ・アンド・ソウル』にはそんな“ウェイン・ショーター印”の音が鳴っている。

　『ボディ・アンド・ソウル』のレコーディング・メンバーは，トランペットのフレディ・ハバード，テナー・サックスのウェイン・ショーター，アルト・サックスのエリック・ドルフィー，トロンボーンのカーティス・フラー，ピアノのシダー・ウォルトン，ベースのレジー・ワークマン，ドラムのルイ・ヘイズ。

　そう。『ボディ・アンド・ソウル』は，アート・ブレイキー抜きのオール・ジャズ・メッセンジャーズによるスモール・コンボ＋拡大されたビッグ・バンド＆オーケストラ編成。
　ジャズ・メッセンジャーズの亜流にして，こちらこそが本流と思わせる“ＨＯＴな”フレディ・ハバードと“ＣＯＯＬな”ウェイン・ショーターの方向性が一致が名演である。

　『ボディ・アンド・ソウル』の印象を一言で書けば，大編成なのに「全くうるさくない」。フレディ・ハバードにだけは自由に吹かせておいて，バックには抑制を求めているから，音楽全体がなめらかで，知的な響きがする。
　これほどの大物メンバーが個性を抑えてビッグ・バンドのアンサンブル吹きで満足させることができたウェイン・ショーターの“天才”ぶり。ストリングスについても，よくある甘すぎるムードもなく，アーティスティックに鳴らし過ぎることもない。

　“音楽監督”ウェイン・ショーターにとって『ボディ・アンド・ソウル』のようなアレンジ・アルバムの制作は，おおよそ３０年後となる『ＨＩＧＨ　ＬＩＦＥ』や『ＡＬＥＧＲＩＡ』の登場まで待たなければならない。
　それくらいにウェイン・ショーターにとって『ボディ・アンド・ソウル』は快心の出来だったのだろう。世界指折りのトランペッター＝フレディ・ハバードがアンサンブルの核を張っているのだから，アレンジ・アルバムは『ボディ・アンド・ソウル』で完結したとしても当然だと思う。

　『ボディ・アンド・ソウル』のソロイストはフレディ・ハバードとエリック・ドルフィーの２人。
　ただし，２人とも編曲の流れを壊さないようなソロであって勿体ない。特にエリック・ドルフィーとウェイン・ショーターの共演は，恐らく録音物としては『ボディ・アンド・ソウル』の１作だけだと考えられている。

　その意味で『ボディ・アンド・ソウル』の没テイク。それもエリック・ドルフィーの突飛なソロがオクラの原因となったトラックが残ってはいないのだろうか？

　　01. BODY AND SOUL
　　02. CARNIVAL (MANHA DE CARNAVAL)
　　03. CHOCOLATE SHAKE
　　04. DEDICATED TO YOU
　　05. CLARENCE'S PLACE
　　06. ARIES
　　07. SKYLARK
　　08. I GOT IT BAD AND THAT AIN'T GOOD
　　09. THERMO

（インパルス／IMPULSE! 1963年発売／UCCU-5278）
（ライナーノーツ／小川隆夫）

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2019年05月28日23:02

カテゴリ: CD批評：松岡直也

松岡直也／ DANCE UPON A TIME

　松岡直也の「音楽活動４０周年」祭りのテーマは「東京発ラテン・ダンス・ミュージック」。
　いつものラテン・フュージョンをベースに，ブラスとストリングス，さらにはヴォーカル＆コーラスが加わった“マンボ・ナオヤ”の世界が広がるのが『ＤＡＮＣＥ　ＵＰＯＮ　Ａ　ＴＩＭＥ』である。

　『ＤＡＮＣＥ　ＵＰＯＮ　Ａ　ＴＩＭＥ』の豪華で豪奢な音が真にスペシャル感漂っている。ダンサブルだがメロディアスで，濃密だが聴きやすい作品へと昇華されている。ジャケットのイラストから連想される『ハートカクテル』に似た，松岡直也のお洒落感覚にも脱帽である｡

　『ＤＡＮＣＥ　ＵＰＯＮ　Ａ　ＴＩＭＥ』の音が重厚なのに軽快なのには理由がある。
　松岡直也の大編成コンボと来ればＷＩＳＩＮＧがあるが『ＤＡＮＣＥ　ＵＰＯＮ　Ａ　ＴＩＭＥ』ではＷＩＳＩＮＧの手法を封印させた，王道のビッグ・バンド・チックな「東京発ラテン・ダンス・ミュージック」。

　『ＤＡＮＣＥ　ＵＰＯＮ　Ａ　ＴＩＭＥ』の肝は“伝家の宝刀”パーカッション。１６ビートでゆったり裏拍を強調するラテン・パーカッションが曲をリードし，そこに美しいコードのピアノが絡み合い，ディストーション・ギターがうねりまくる。
　再録の３曲を含めて選曲はメロディアスなものが多い。パーカッションを前面に出すために，敢えてねっとりと絡みつくような美メロとの対比で上手にバランスをとっている。

　『ＤＡＮＣＥ　ＵＰＯＮ　Ａ　ＴＩＭＥ』が狙うは従来のラテン・フュージョン・ファンではなく，お洒落なダンス・ミュージック・ファンである。ただし，それって流行りのユーロでもトランスでもなく（もちろんパラパラでもなく）ダンス・ホールである。

　なんだか最先端なのに松岡直也の懐古趣味が利いているというか『ＤＡＮＣＥ　ＵＰＯＮ　Ａ　ＴＩＭＥ』には“古き良き時代”の郷愁を感じさせるものがある。

　あっ，だから４０周年記念盤なわけね～。昔の松岡直也も良かったと思わせいわけね～。
　個人的には本田雅人のゲスト参加が最大のハイライト～。個人的にはペッカーと津垣博通のゲスト参加が懐かしい～。

　　01. AMANECER TROPICAL
　　02. I'VE GOT MY LOVE TO KEEP ME WARM（Big Band Version）～
　　　　恋に寒さを忘れ
　　03. CANCION DE MAREA
　　04. THE CONFESSION
　　05. MAMBO NAOYA '92～マンボ・ナオヤ '92
　　06. POOLSIDE LOVE AFFAIR（Big Band Version）
　　07. NO TE VAYAS～とっても好きだから
　　08. YOU'VE GOT IT BAD GIRL
　　09. LIKE A VOLCANO
　　10. LADY IN THE SHADE（Orchestra Version）

（ワーナー・ミュージック・ジャパン／WARNER MUSIC JAPAN 1992年発売／WPCL-678）

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2019年05月25日23:30

カテゴリ: CD批評：フレディ・ハバード

フレディ・ハバード／ハブ・トーンズ

　『ＨＵＢ－ＴＯＮＥＳ』（以下『ハブ・トーンズ』）でフレディ・ハバードが一皮むけた。
　『ハブ・トーンズ』でフレディ・ハバードがジャズ・ジャイアントの仲間入りを果たした。

　『ハブ・トーンズ』以前のフレディ・ハバードの強みとは「超一流トランペッター」の１点のみ。作曲や編曲やリーダーシップの面ではまだまだであった。
　それがどうだろう。『ハブ・トーンズ』では突進するトランペットも過去最高の出来であるが，作曲も編曲もリーダーシップも含めて全ての面において同世代のトランペッター以上に秀でている。
　ついに『ハブ・トーンズ』でフレディ・ハバードがジャズ・シーンの先頭を走るトランペッターとして躍り出たのだ。

　フレディ・ハバードの内面が成長している。具体的にはトランペットから，味気のないフレージングや深みの無い音色が流れることがなくなった。それどころか“情状派”への転身とも取れるトラックが並んでいる。

　例えば【ＹＯＵ’ＲＥ　ＭＹ　ＥＶＥＲＹＴＨＩＮＧ】というジャズ・スタンダードを，ふくよかな音色で歌心たっぷりに歌いきる。
　そして特筆すべきはミュートではない繊細な表現にある。フレディ・ハバードはテクニカルなトランペッターだあるが，ハイテクニックが嫌みでなく，最良の塩梅に仕上がっていると思う。

　【ＨＵＢ－ＴＯＮＥＳ】での音響の隅々までなめて踊るよう素晴らしいアドリブに燃え上がる。
　フレディ・ハバードのトランペットと来れば「世界一のフィンガリング」であろうが【ＨＵＢ－ＴＯＮＥＳ】での演奏と来れば，内なる感情表現に「世界一のフィンガリング」でさえ追いついて行けない印象を受ける。それだけ内に秘めたものが圧倒的なのだ。
　あくまで会話をするような調子で，猛烈なインプロヴィゼーションが放出される。それを一瞬でアドリブ構成するセンスが群を抜いて現代的で格好良い。

　【ＬＡＭＥＮＴ　ＦＯＲ　ＢＯＯＫＥＲ】では打って変わって，陰影のあるトランペットを聴かせてくれる。クリフォード・ブラウンの死後，彗星のように現われてはブラウニー同様に夭逝した，若き名トランペット＝ブッカー・リトルに捧げたフレディ・ハバードのバラード。
　誰もが認める【Ｉ　ＲＥＭＥＭＢＥＲ　ＣＬＩＦＦＯＲＤ】の様な名曲ではないかもしれない。だがどこか幽玄的で灰色な雰囲気を醸し出すこのバラードはブッカー・リトルにピッタリの曲調がお見事！

　さて，そんなフレディ・ハバードの“覚醒”請負人がピアノのハービー・ハンコック。
　『ハブ・トーンズ』で初共演を果たしたフレディ・ハバードとハービー・ハンコックのコンビがその後「新主流派」というジャズの歴史を創っていくことを互いにまだ知る由もないのだが，やっぱり相性チリバツ！　ハービー・ハンコックのバッキング最高！

　　01. YOU'RE MY EVERYTHING
　　02. PROPHET JENNINGS
　　03. HUB-TONES
　　04. LAMENT FOR BOOKER
　　05. FOR SPEE'S SAKE

（ブルーノート／BLUE NOTE 1962年発売／TOCJ-4115）
（ライナーノーツ／ジョー・ゴールドバーグ，原田和典，菅原正晴）

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2019年05月22日23:00

カテゴリ: CD批評：坪口昌恭

坪口昌恭／ ANDROGRAFFITI

　坪口昌恭というキーボード・プレイヤー。それは「東京ザヴィヌルバッハ」の人であり「ＤＡＴＥ　ＣＯＵＲＳＥ　ＰＥＮＴＡＧＯＮ　ＲＯＹＡＬ　ＧＡＲＤＥＮ（ＤＣＰＲＧ）」の人だった。
（　現在では「菊地成孔ダブ・セクステット」の坪口昌恭が一番のお気に入り！　）

　「東京ザヴィヌルバッハ」にしても「ＤＡＴＥ　ＣＯＵＲＳＥ　ＰＥＮＴＡＧＯＮ　ＲＯＹＡＬ　ＧＡＲＤＥＮ（ＤＣＰＲＧ）」にしても，坪口昌恭は初めから前面に出るタイプではなく，ここぞという時に後ろから横から斜めから攻め上げてくるタイプ。
　サッカーで言えばスーパーサブであって，一度前に出た坪口昌恭をもはや誰も止められない。一番身近な菊地成孔こそが，そんな坪口昌恭の大ファンの１人だと思う。

　菊地成孔は知っている。坪口昌恭の本当の魅力は「キレッキレ」の一発勝負師ではないことを…。坪口昌恭の本当の魅力はバランサーであり全体を見渡せる１０番。つまりは司令塔タイプであることを…。
　だからこそ菊地成孔は坪口昌恭をスーパーサブではなく先発として，そしてフォワードではなく中盤として毎回起用しているのだろう。

　坪口昌恭についての菊地成孔の見立ては当を得ている。『ＡＮＤＲＯＧＲＡＦＦＩＴＩ』が坪口昌恭の“バランサー資質”を見事に証明してくれている。

　『ＡＮＤＲＯＧＲＡＦＦＩＴＩ』は前作『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』と同一録音のセッション音源にオーバーダビングさせた最終完成盤。『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』以上に坪口昌恭がジョー・ザビヌル化して聴こえる。
　サックスとパーカッションが入っている曲では，もろザビヌルを想起して“ウェザー・リポートっぽい”音が鳴っている。坪口昌恭がジョー・ザビヌルのように自らシュートを決めに行く。

　しかしそこにトランペットが入った曲では，完全なるバランサーとして鍵盤中心のシフトではあるが，濃厚なファンクネスと即興性が前面に出たポリリズミック電化ジャズが鳴っている。
　『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』に続き『ＡＮＤＲＯＧＲＡＦＦＩＴＩ』でオラシオ・エルネグロ・エルナンデスがドラムを叩く意味とか必然性があるような展開に持ち込んでいる。

　『ＡＮＤＲＯＧＲＡＦＦＩＴＩ』の同一にして２つのセッションに色を付けたのは１年がかりで行なわれたオーバーダビングであることを忘れてはならない。これは逆説的な意味である。意識しなければ生演奏に聴こえてしまう。

　オラシオ・エルネグロ・エルナンデスが参加したキューバの路地裏でセッションされていたストリート・ミュージックが，坪口昌恭の手に掛かればＮＹのスタジオで録音されたかのように聴こえてしまうのだ。

　坪口昌恭の完璧なる補修作業。これこそが『ＡＮＤＲＯＧＲＡＦＦＩＴＩ』なのだろう。これこそが「アンドロイドの落書き」なのだろう。

　　01. M.T. Swallow
　　02. Space Mbira
　　03. Equator Civilization
　　04. Water Moon
　　05. Groove Continent
　　06. Vanilla Beans
　　07. Swinging Weather

（ボディー・エレクトリック・レコーズ／BODY ELECTRIC RECORDS 2006年発売／EWBE-0019）
（紙ジャケット仕様）

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2019年05月19日23:09

カテゴリ: CD批評：フレディ・ハバード

フレディ・ハバード／ハブ・キャップ

　『ＨＵＢ　ＣＡＰ』（以下『ハブ・キャップ』）自体の出来はイマイチである。
　しかし『ハブ・キャップ』には，ジャズ界のその後，を先取りしたフレディ・ハバードの功績について語られるべきであろう。フレディ・ハバードは一介のトランペッターではない。

　フレディ・ハバードが『ハブ・キャップ』で試みた３管ユニゾン・セクステットが真価を発揮したのは，フレディ・ハバード自身もプレイヤーとして創作に参加した，ウェイン・ショーターを擁するジャズ・メッセンジャーズであった。
　“天才”ウェイン・ショーターの手を借りた『ＭＯＳＡＩＣ』で，ついにフレディ・ハバードのアイディアが「ＵＰＤＡＴＥ」され花開いた。

　そんなジャズ・メッセンジャーズの『ＭＯＳＡＩＣ』への「原石セッション」となった『ハブ・キャップ』には，もう１つ，フレディ・ハバードの音楽観が秘められている。
　フレディ・ハバードはこれまで『ＯＰＥＮ　ＳＥＳＡＭＥ』『ＧＯＩＮ’　ＵＰ』と豪華な先輩たちの胸を借りてソロ・アルバムを制作してきたが，第３弾となる『ハブ・キャップ』での大物はフィリー・ジョー・ジョーンズぐらい（まっ，後にみんなＢＩＧになったのだけど）。

　トロンボーンにジュリアン・プリースター，テナー・サックスにジミー・ヒース，そして後にジャズ・メッセンジャーズでもコンビを組むこととなるピアノにシダー・ウォルトンを迎えたフレディ・ハバードの３管ユニゾン・セクステットの人選は，いつものアルフレッド・ライオンではなくフレディ・ハバード本人であった。

　念願のメンバーで念願の３管ユニゾン。『ハブ・キャップ』こそがフレディ・ハバードが本当に演りたかったジャズだった，と言い切ってしまおう。
　フレディ・ハバードにとって３管とは，自分自身が一番輝く理想の編成である。なぜならばフレディ・ハバードの持ち味であるメタリックなトランペットは言ってみれば「淡泊」。そこへトロンボーンとテナー・サックスがトランペットの両隣りで「味わい深い陰影」をつけてくれる。

　ＮＯ。ここまで啖呵を切ってきたが，思いの外，出来上がった『ハブ・キャップ』の印象は地味である。これってフレディ・ハバードのせいではなくアート・ブレイキーとフィリー・ジョー・ジョーンズの実力差？
　フレディ・ハバードのトランペットにもジャズ・メッセンジャーズの時のような伸びは小さく，アンサンブルの要を担うというミッションを全うしようとしている印象である。

　それもこれも全ては念願の３管ユニゾン達成のため。アンサンブル・ハーモニーのためである。『ＯＰＥＮ　ＳＥＳＡＭＥ』『ＧＯＩＮ’　ＵＰ』では１曲だけだったオリジナルも『ハブ・キャップ』では４曲作曲。
　そう。『ハブ・キャップ』の録音時にフレディ・ハバードに足りなかったのはアレンジ力の１点だけ！　そのアレンジ力も才能の欠如ではない。モードという新しいジャズの言語にまだ馴染めていなかっただけ！

　管理人の結論。『ハブ・キャップ』批評。

　フレディ・ハバードは従来のハードバップ・スタイルに範を求めながらも『ハブ・キャップ』で確実に新しい時代への布石を打っている。
　フレディ・ハバードの新しい地平を目指そうとする意気込みと発展途上の魅力がたまらない。

　　01. HUB CAP
　　02. CRY ME NOT
　　03. LUANA
　　04. OSIE MAE
　　05. PLEXUS
　　06. EARMON JR.

（ブルーノート／BLUE NOTE 1961年発売／TOCJ-4073）
（ライナーノーツ／レナード・フェザー，後藤誠，小林貢）

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2019年05月16日23:18

カテゴリ: CD批評：坪口昌恭

坪口昌恭／ VIGOROUS

　『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』を買ったのは東京ザヴィヌルバッハの『Ａ８Ｖ（ＯＮ　ＴＨＥ　ＥＡＲＴＨ）』を買った３日後のことだったことを覚えている。
　『Ａ８Ｖ（ＯＮ　ＴＨＥ　ＥＡＲＴＨ）』にハマッタ。そして坪口昌恭にハマッタ。そしてよく調べもせずにアマゾンで坪口昌恭の最新作だった『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』をポチッ。

　たまたま選んだ『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』が，管理人の東京ザヴィヌルバッハへハマル流れを止めたのは皮肉な結果。だって機械ではなく生身の人間の方が凄いということを再確認出来たから！

　そう。『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』のドラマーとは“あの”オラシオ・エルネグロ・エルナンデス。
　これが並みのドラマーだったら「Ｍ」の連勝街道一直線だったのかもしれないが，オラシオ・エルネグロ・エルナンデスの爆撃ドラミングの「グルーヴの波」が，坪口昌恭が書いた美メロと「ハモる瞬間の波」が最高に気持ちいい。

　管理人が『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』批評で書きたいことは，人力ドラムの優越性，というか，元々，人間と機械を比べてはいけないということ。
　音楽シーンはこの後「ドラムンベース」に流れていったが，ＪＩＭＳＡＫＵを例に出すまでもなく，音楽のテクニック，もっと言えば音楽の世界でコンピュータが人間を超えるのは遠い先の事であって，個人的に機械は人間を永遠に超えられないと思っている。

　そう感じているのは管理人だけではない。坪口昌恭もまたその中の１人である。
　仮に『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』のリズム隊を「Ｍ」で演奏していたなら面白くも何とない音楽で終わっていたように思う。終始正確でそしてプログラミングによって予想だにしないリズムを打ち叩いてくる「Ｍ」は本当に凄いと思う。

　しかし，ジャストではない前ノリとか後ノリの感覚。譜面では決して指示出来ないノリを坪口昌恭は『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』で表現している。
　『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』の楽曲はどれもが速攻前のめりテクニカル。こんな楽曲群を演奏するには打ち込み系が向いているのだが，それは坪口昌恭の音楽を理解した機械演奏の話なのだ。

　『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』のハードな演奏は「複雑なメロディ・ライン」にある。キャッチーなメロディではない。テクニックひけらかしでもない。“器楽的に”メロディアスなのだ。

　これである。“器楽的に”メロディアスな表現は人力でしか表現できない。だからドラムはオラシオ・エルネグロ・エルナンデスなのである。オラシオ・エルネグロ・エルナンデスの爆撃ドラミングが演奏に“強度と味”を加えている。

　主役である坪口昌恭のエレピは終始奥で鳴っている間違った印象操作。
　坪口昌恭が意識的に後ろに下がって弾いているわけではない。よく聴けば主軸は鍵盤にあるのだが，躍動感あるリズムと冷静にグルーヴする鍵盤の対比が不思議なストイックさを醸し出している。

　『ＶＩＧＯＲＯＵＳ』で耳に付くのは構成の複雑さとたやすく弾きこなすテクニック。個々の演奏の猛烈な確かさと歌心にシビレまくる名盤だと思う。

　　01. African Eagle
　　02. Southern Cross
　　03. Tasogare Boomerang
　　04. Power Rose
　　05. Nostalgica
　　06. Pastel Yogurt

（ボディー・エレクトリック・レコーズ／BODY ELECTRIC RECORDS 2004年発売／EWBE-0012）
（紙ジャケット仕様）

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2019年05月13日23:24

カテゴリ: CD批評：フレディ・ハバード

フレディ・ハバード／ゴーイン・アップ

　フレディ・ハバードのリーダー・アルバムである。フレディ・ハバードのデビュー盤である。なのに“からっきし目立っていなかった”『オープン・セサミ』でのフレディ・ハバード。
　ティナ・ブルックスである。マッコイ・タイナーである。当時はまだ無名の２人との共演である。

　ハンク・モブレーである。フィリー・ジョー・ジョーンズである。２ｎｄアルバム『ＧＯＩＮ’　ＵＰ』（以下『ゴーイン・アップ』）では前作から一転して「ジャズ界のレジェンドたち」との共演である。

　『ゴーイン・アップ』でのベテラン組との対比によりフレディ・ハバードの“フレッシュさ”が際立って聴こえる。なので個人的には「若き日のフレディ」と来れば『オープン・セサミ』ではなく『ゴーイン・アップ』を連想してしまう。
←　ちなみにフレディと聞けば，管理人にはフレディ・マーキュリーではなくフレディ・ハバードのことなのです！　愛輝くん！

　…と，この流れでついでに書けばフレディ・ハバードの場合，年代を遡るにつれ年を取って聴こえてしまうから不思議である。
　管理人の「初めてのフレディ・ハバード」がハービー・ハンコックの『処女航海』だったせいでもあるだろう。『オープン・セサミ』『ゴーイン・アップ』がコテコテのハード・バップだったということもあるだろう。

　ＮＯ！　フレディ・ハバードの“耳年寄り”の理由とはフレディ・ハバードの“早熟”にある。同じ“早熟のトランペッター”でもリー・モーガンとフレディ・ハバードではタイプが異なる。

　フレディ・ハバードの“早熟”の意味とは，圧倒的なテクニックを活かした演奏スタイルのことを指す。『ゴーイン・アップ』の時点ではブリリアントなフレーズは残念ながら出て来ていない。フレディ・ハバードが「ロックの洗礼」を受けたのはもう少し先のことである。
　事実『ゴーイン・アップ』の聴き所はフレディ・ハバードの“ブルース・フィーリング”にある。

　例えば，ケニー・ドーハムの代表曲として名高い【ＬＯＴＵＳ　ＢＬＯＳＳＯＭ】をフレディ・ハバードは【ＡＳＩＡＴＩＣ　ＲＡＥＳ】という題名でアレンジして演奏しているのだが，これが“本家以上の”大名演仕上げ！　【ＬＯＴＵＳ　ＢＬＯＳＳＯＭ】の“熱風ブルース・バージョン”の完成であった。

　【ＡＳＩＡＴＩＣ　ＲＡＥＳ】の聴き所は，フィリー・ジョー・ジョーンズの高速パッセージに負けない，フレディ・ハバードの“超絶技巧”高速パッセージによる“ブルース・フィーリング”の交歓にある。

　フィリー・ジョー・ジョーンズの爆裂ドラミングに煽られて疾走するのだが，高速運転中なのに余裕溢れるブルースを吹き上げるフレディ・ハバードのテクニックは流石！　演奏が進行するにつれフィリー・ジョー・ジョーンズのドラムが落ち着いていく様がハイライト！

　【ＢＬＵＥＳ　ＦＯＲ　ＢＲＥＮＤＡ】では，野太く重心の低い中低域のトランペットでスタートから攻めていたがフレディ・ハバードが，終盤のハイノートで「天へと昇る」あの甲高い音色が忘れられない！
　旧い時代のバッパーを演じきったハード・バップ・スタイルのトランペットがハンク・モブレーのマイルド・テナーを抑えつけた瞬間のカッコ良さが忘れられない！

　　01. ASIATIC RAES
　　02. THE CHANGING SCENE
　　03. KARIOKA
　　04. A PECK A SEC
　　05. I WISHED I KNEW
　　06. BLUES FOR BRENDA

（ブルーノート／BLUE NOTE 1961年発売／TOCJ-6575）
（ライナーノーツ／アイラ・ギトラー，土倉明）

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2019年05月10日23:37

カテゴリ: CD批評：大槻“KALTA”英宣

大槻“KALTA”英宣／ VERTICAL-ENGINE

　“凄腕ドラマー”大槻“ＫＡＬＴＡ”英宣については小沼ようすけ繋がりで追いかけるようになった。
　「ＴＫＹ」「ＡＱＵＡＰＩＴ」のドラマーは大槻“ＫＡＬＴＡ”英宣以外には務まらなかったと思っている。管理人世代を熱狂させてくれる沼澤尚の次世代を担うＪＡＭ系ドラマーである。

　大槻と来れば「筋肉少女帯」だし，ＫＡＬＴＡと来ればカルマだし，大槻“ＫＡＬＴＡ”英宣が芸名であることを知った時「こんな芸名を付けるとはさぞやイカレたドラマー」だと危険を感じていたものだ。

　しかし，実際の演奏はそうではない。大槻“ＫＡＬＴＡ”英宣のスタイルはイカレたの正反対であって，楽曲のツボを突きまくる端正なドラミングは理性的に思えた。
　大槻“ＫＡＬＴＡ”英宣はＪＡＭ系が最高だと知りつつも，もっとジャズ系に寄ってきてほしい。そう思わせるバックから攻め上ってくる「迫るビート感」が大槻“ＫＡＬＴＡ”英宣の最大の武器だと思う。

　大槻“ＫＡＬＴＡ”英宣のソロＣＤ『ＶＥＲＴＩＣＡＬ－ＥＮＧＩＮＥ』に飛びついてビックリ！　大槻“ＫＡＬＴＡ”英宣のオリジナルは難曲ばかり！　ただし，単に難しいだけではなく，テクニカルなアンサンブルが機能すれば，印象的なリズムとメロディーが浮き上がって来る「二段ロケット」仕掛け！
　その意味で『ＶＥＲＴＩＣＡＬ－ＥＮＧＩＮＥ』は演者を選ぶ（聴き手を選ぶではない。そこが重要！）難度の高いアルバムであった。

　そんな難度高めの『ＶＥＲＴＩＣＡＬ－ＥＮＧＩＮＥ』に大槻“ＫＡＬＴＡ”英宣が選んだメンバーは，ドラムの大槻“ＫＡＬＴＡ”英宣，アルト・サックスとソプラノ・サックスの太田剣，テナー・サックスの鈴木央紹，ギターの小沼ようすけと天野清継と鈴木よしひさ，オルガンの金子雄太，キーボードの新澤健一郎，ピアノの秋田慎治と田中信正，ベースの鈴木正人と鳥越啓介と岡田治郎のツワモノたち。一癖もふた癖もある言うことなしの豪華演奏メンバー。

　大槻“ＫＡＬＴＡ”英宣のオリジナルが綺麗に磨き上げられている。だからこそ名演奏が光って聴こえる。楽曲に演奏がシンクロしている。繊細なハーモニーなのに自由で縛りがない感じがする。大きなコンセプトを全員が共有し，全員が他の人の演奏をよく聴いている。

　ズバリ『ＶＥＲＴＩＣＡＬ－ＥＮＧＩＮＥ』には「バンド・リーダー」大槻“ＫＡＬＴＡ”英宣の“ＨＯＴでＣＯＯＬな”統率力が刻まれている。

　　01. STRATEGY
　　02. ALTERNATOR
　　03. SNARL (VERSION)
　　04. MOON LOST
　　05. ARITHMETIC
　　06. BACH-LOGY SHIFT
　　07. IMAGE
　　08. LEGWORK AND CHASE
　　09. CLOUD CASTLE
　　10. ICON
　　11. EPISTROPHY

（ＪＡＺＺＺ／JAZZZ 2008年発売／MAIR-2001）
（☆スリップ・ケース仕様）
（ライナーノーツ／松永誠一郎）

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2019年05月06日23:59

カテゴリ: CD批評：フレディ・ハバード

フレディ・ハバード／オープン・セサミ

　ジャズの王者はトランペットである。そんな「王様のトランペッター」を語っていくとフレディ・ハバードの名前は外せない。
　しかし，フレディ・ハバードのトランペットが本当に良いのは「新主流派」以降である。加えてフレディ・ハバードのトランペットが本当に良いのはサイドメンとしての演奏である。

　だからフレディ・ハバード初期の演奏は聴いても聴かなくてもどちらでもよい。聴かないよりは聴いた方がよいとお奨めしている。
　現に管理人はフレディ・ハバードのデビュー盤『ＯＰＥＮ　ＳＥＳＡＭＥ』（以下『オープン・セサミ』）ではフレディ・ハバードの演奏は聞いてはいない。

　そう。『オープン・セサミ』はフレディ・ハバードのトランペットを聴くためのアルバムではなく，ティナ・ブルックスのテナー・サックスとマッコイ・タイナーのピアノを聴くためのアルバムなのである。

　ズバリ『オープン・セサミ』の主役はティナ・ブルックスである。演奏もそうなのだがアルバムが醸し出す雰囲気はティナ・ブルックスの個性そのものである。
　結局のところ『オープン・セサミ』の顔である【オープン・セサミ】と【ジプシー・ブルー】はティナ・ブルックスあってこそ！

　一聴するとホレス・シルヴァーっぽい曲調だが，元気いっぱいのマイナー調で哀愁してしまうのがティナ・ブルックスの腕前なのである。
　多弁で安定感のあるフレディ・ハバードと朴訥で線が細いけれど黒っぽいティナ・ブルックスの組み合わせが強い印象を残している。ティナ・ブルックスの繊細かつソウルフルな味が絶妙に臭い立ってくる。ティナ・ブルックスが好きだ～。

　そうしてマッコイ・タイナーのピアノである。マッコイ・タイナーの洗練されたピアノがあるから，ティナ・ブルックスの演歌チックで昭和レトロな雰囲気にドップリ浸れるというものだろう。
　リリカルで小気味良いピアノ・タッチの流ちょうなフレージングが，フレディ・ハバードとティナ・ブルックスの両雄を自由に転がしていく。

　『オープン・セサミ』の後もしばらくフレディ・ハバードを支えることになるマッコイ・タイナー。フレディ・ハバードの成功は“名脇役”マッコイ・タイナーのサポート抜きには語れない。

　　01. OPEN SESAME
　　02. BUT BEAUTIFUL
　　03. GYPSY BLUE
　　04. ALL OR NOTHING AT ALL
　　05. ONE MINT JULEP
　　06. HUB'S NUB
　　07. OPEN SESAME (alternate take)
　　08. GYPSY BLUE (alternate take)

（ブルーノート／BLUE NOTE 1960年発売／TOCJ-7075）
（ライナーノーツ／アイラ・ギトラー，原田和典）

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2019年05月03日23:32

カテゴリ: CD批評：THE SQUARE (T-SQUARE)

T-SQUARE ／ HORIZON

　『ＨＯＲＩＺＯＮ』を一聴して強く感じたことは“河野啓三の偉大さ”であった。
　河野啓三の不在が痛い。河野啓三がいないと「伝統のスクェア・サウンド」が成立しないことを思い知らされた気分がした。

　…と言うのも実はこんなエピソードがある。以前にどこかのＬＩＶＥのＭＣで河野啓三が「バンドに貢献できているかどうか分からない」と述べていた。当然そんなことなどない。ファン全員，天に誓って一度たりともそう思った人はいないことだろう。
　でも何だかとても不憫に感じてしまって，あの河野啓三の言葉が今でも管理人の記憶に残っている。河野啓三を擁護したい。応援したい。ただそのことを直接，口に出して伝えたら終わりな訳で…。

　結果，これは本当に残念なことではあったが，河野啓三抜きの『ＨＯＲＩＺＯＮ』を聴いてみて，河野啓三に自分の存在価値の大きさに自信を持ってほしいと思ってしまった。
　河野啓三の代役は「超大物」のフィリップ・セスである。しかし，あのフィリップ・セスをしても河野啓三の代役など務まっていない。
　そう。『ＨＯＲＩＺＯＮ』とは“大黒柱”河野啓三が自然な形で証明されてしまったアルバムなのである。

　久しぶりのスクェアとフィリップ・セスの組み合わせ。フィリップ・セスの先鋭的なサウンドを求めた伊東たけしや坂東慧のソロとは違い「ポップ・インストゥメンタル・バンド」として安藤正容のＤＮＡ＝「歌うメロディー」が楽器と音色を支配するバンドとの組み合わせ。

　うん。フィリップ・セスの完勝である。河野啓三抜きの『ＨＯＲＩＺＯＮ』の真実とは「フィーチャリング・フィリップ・セスなスクェア・サウンド」であった。

　『ＨＯＲＩＺＯＮ』に流れている「伝統のスクェア・サウンド」とは『ＲＥＢＩＲＴＨ』『ＣＩＴＹ　ＣＯＡＳＴＥＲ』のラインではない。
　そうではなくＬＡから流れる『ＦＲＩＥＮＤＳＨＩＰ』『ＮＥＷ　ＲＯＡＤ，　ＯＬＤ　ＷＡＹ』のユニット期のサウンドなのである。

　もしや『ＨＯＲＩＺＯＮ』はアメリカで発売したら売れるのかもしれない。そんな雰囲気の音楽である。スクェアが「ザ」から「Ｔ」へと改名した『ＷＡＶＥ』の頃よりもアメリカに近づいている。

　こんなにもアーバンでＬＡしててスムーズ・ジャズなスクェアは『ＦＲＩＥＮＤＳＨＩＰ』以来である。完璧なバックサウンドと要所要所でソロを取るフィリップ・セスのキーボードが，２０００年頃のドン・グルーシンの煌びやかなキーボードを連想させる。

　河野啓三の大ピンチとは則ちＴ－スクェアの大ピンチ。こんな大ピンチを救ってくれたフィリップ・セスには感謝しかない。
　しかしフィリップ・セスの良さがＴ－スクェアの良さと混じり合うのは「音楽監督」河野啓三が率いるＴ－スクェアであろう。

　是非是非，フィリップ・セスとは河野啓三が復帰したＴ－スクェアと再度共演してほしい。きっと凄いことになると思うから。次作では坂東慧も河野啓三向きの神曲をきっと準備してくれるはずだから…。
　『ＨＯＲＩＺＯＮ』は【ＳＫＹ　ＤＲＩＶＥ】【ＨＯＲＩＺＯＮ】【ＬＯＶＥ　ＧＡＭＥ】の３曲だけだったかなぁ。

　最後に『ＨＯＲＩＺＯＮ』でうれしかったことがある。
　それは河野啓三がＴ－スクェアのメンバーとしてクレジットされていたこと。そして内ジャケットの中にもメンバー写真として１ページ分写っていたこと。完全に河野啓三の「復帰待ち」スタンバイ体制である。

　Ｔ－スクェアのキーボード・プレイヤーの椅子は永久欠番って感じの空席扱い？　『ＨＯＲＩＺＯＮ』ツアーでは白井アキトの怪演に超期待している自分も正直いる？
　管理人はスクェア・ファミリーの一員として「音楽監督」河野啓三の復帰を（一刻も早く。でも決して無理してほしくない）いつまでも待っております。

　　DISC 1
　　01. SKY DRIVE
　　02. Kasareria
　　03. Lonesome George
　　04. 追憶の街
　　05. Horizon
　　06. Love Game
　　07. Samba de Bantha
　　08. Parallel World
　　09. Some Other Time

　　DISC 2　DVD
　　01. T-SQUARE 84h in Los Angeles

（オレンジレディ／ORANGE LADY 2019年発売／OLCH 10015～16）
（☆ＳＡＣＤハイブリッド盤仕様）
★【初回生産限定盤】ボーナスＤＶＤ付　２枚組
★【初回生産限定盤】三方背ＢＯＸ仕様
★音匠仕様レーベルコート

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2019年04月28日23:59

カテゴリ: CD批評：今津雅仁

今津雅仁／ WHAT'S A MELODY？

　デビュー・アルバム『ＭＡＳＡＴＯ』で“天下を獲った”今津雅仁！　日本中の全ジャズ・ファンが期待値ＭＡＸで迎えた２ｎｄが『ＷＨＡＴ’Ｓ　Ａ　ＭＥＬＯＤＹ？』。
（　『ＭＡＳＡＴＯ』はスイングジャーナル誌主催「ジャズ・ディスク大賞」【日本ジャズ賞】受賞！　）

　演歌系のこぶし廻しというべきか？　ブッカー・アービン風の癖というべきか？　今津雅仁のテナー・サックスは相変わらずのファンキー・サックス全開で『ＷＨＡＴ’Ｓ　Ａ　ＭＥＬＯＤＹ？』も親しみやすいジャズ・アルバム仕上げ。
　ただし，結論から書くと『ＷＨＡＴ’Ｓ　Ａ　ＭＥＬＯＤＹ？』で今津雅仁が没落した。『ＭＡＳＡＴＯ』路線を変更したわけでもないのに，こんなにも響かないのはなぜなのだろう…。

　思うに，何のプレッシャーもなく，自由気ままに，思う存分，自分の演りたいジャズを演奏したのが『ＭＡＳＡＴＯ』だとすれば，レコード会社からのオーダーとかプレッシャーとかで，あの「本能的に思いつくがまま」の最良の部分が薄れてしまって，平々凡々の…。
　一気に今津雅仁への関心が薄れてしまった…。

　一応，今津雅仁の名誉のためにフォローしておくと，管理人が『ＷＨＡＴ’Ｓ　Ａ　ＭＥＬＯＤＹ？』にハマラなかったのは，アドリブ一発がどうにも事前に考えられていたかのようで気に障るから…。
　『ＷＨＡＴ’Ｓ　Ａ　ＭＥＬＯＤＹ？』では，荒削りの部分が整えられて，曲単位での完成度は『ＭＡＳＡＴＯ』より上がっている。

　それは今津雅仁のテナー・サックスだけではなくて，吉岡秀晃のピアノ，沼上励のベース，屋代邦義のドラムについても当てはまる。

　そう。『ＷＨＡＴ’Ｓ　Ａ　ＭＥＬＯＤＹ？』は今津雅仁のソロ名義ではなく「今津雅仁　＆　ＦＵＺＺ　ＭＯＴＩＯＮ」なるコンボ名義でのリリースになったのも，全員が自由に演奏するスタイルからアンサンブル指向に舵を切った「大義」なのだと思っている。

　仮に『ＷＨＡＴ’Ｓ　Ａ　ＭＥＬＯＤＹ？』にハマッテいたら，アドリブログの一押しは矢野沙織ではなく今津雅仁だったのかもしれない。
　正直，２週間前に『ＭＡＳＡＴＯ』を１０年振りに聴いて，大興奮して，そう思ってしまったんだもん。くまもん。

　　01. But That's Impossible!
　　02. Willful Drunkers
　　03. Just One Time
　　04. Lookin' Around The Bay
　　05. Spring Tide
　　06. The Girl Of My Heart

（ファンハウス／FUN HOUSE 1990年発売／FHCF-1056）
（ライナーノーツ／市川正二）

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2019年04月25日23:41

カテゴリ: CD批評：エルモ・ホープ

エルモ・ホープ／エルモ・ホープ・トリオ

　エルモ・ホープと来ればバド・パウエルの“バーター”というのが定説である。
　その心は「バド・パウエル崩れ」で語られるよりも「ソニー・クラーク系マイナー崩れ」の方が正しいと思っている。

　『ＥＬＭＯ　ＨＯＰＥ　ＴＲＩＯ』（以下『エルモ・ホープ・トリオ』）は，一聴すると確かにバド・パウエルっぽい。テンポとか音の間に関しては“もろ”バド・パウエル似で間違いない。

　しかし『エルモ・ホープ・トリオ』を繰り返し聴いて，耳が慣れてくると，聴こえてくるのは，劣化したバド・パウエルなのだが，あるレベルを越えてしまった瞬間，エルモ・ホープのマイナー・ピアノがソニー・クラークっぽい。
　要するに日本人好みの“ジャズ・ピアニスト”の一人がエルモ・ホープで間違いない。

　ただし，エルモ・ホープ好きを名乗るのは，ちょっと「天の邪鬼なピアノ・ファン」が多いように思う。
　これには理由があってエルモ・ホープ好きとは前提としてのマイナー・ピアノ好き。マイナー好きの世界ではソニー・クラークが一番手だから，ソニー・クラークを敢えて外した集団がエルモ・ホープ・ファンを構成しているように思う。この世界を理解するのは難しいのだ。

　『エルモ・ホープ・トリオ』でのエルモ・ホープのピアノが，なかなかに手強い。エルモ・ホープの中にいるバド・パウエル的な顔とソニー・クラーク的な顔が同居したうえで，エルモ・ホープの個性が出ている。

　パズルのように構築されたフレーズの集積は，非メロディアスというわけではないが，情緒的で甘い砂糖菓子のようなフレーズはほとんど出てこない。
　例えば，スローテンポで演奏される，砂糖菓子のようなメロディーの【ＬＩＫＥ　ＳＯＭＥＯＮＥ　ＩＮ　ＬＯＶＥ】においても，ピリリと辛口のピアノである。

　そう。エルモ・ホープの個性とは「独特の構成能力」にある。あまりに断片かつ，フレーズとフレーズの“つながり感”が希薄ゆえ，演奏の全体像が掴みづらい。だから注意深く聞いていると難解に聞こえるが，サラッと聞き流していると，如何にも“ジャズ・ピアニスト”して聴こえてしまう。

　う～む。『エルモ・ホープ・トリオ』はなかなかに手強い。上級者向けのピアノ・トリオである。
　平易な語り口で語りかけるので一瞬分かったつもりになってしまうが，エルモ・ホープは意図時にツボを外し核心を隠してくる。まるでリスナーに謎かけでもしているように…。

　エルモ・ホープ好きの中でも『エルモ・ホープ・トリオ』は「天の邪鬼なピアノ・ファン」には堪らないアルバムなのだろうなぁ…。

　　01. B'S A-PLENTY
　　02. BARFLY
　　03. EEJAH
　　04. BOA
　　05. SOMETHING FOR KENNY
　　06. LIKE SOMEONE IN LOVE
　　07. MINOR BERTHA
　　08. TRANQUILITY

（ハイ・ファイ／HIFI 1959年発売／VDJ-1649）
（ライナーノーツ／小川隆夫）

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2019年04月22日23:07

カテゴリ: CD批評：今津雅仁

今津雅仁／ MASATO

　難解なジャズの方が人気が髙いのは確かであるが，誰が聴いても分かりやすいジャズこそが「本家本元のジャズ」であろう。底抜けに楽しいアドリブが延々と続くジャズこそが「世界一」楽しい音楽だと思っている。
　最右翼はやっぱりファンキー・ジャズになるのかなぁ？

　管理人がそう思うのは実体験があるからだ。１９８９年に発売された今津雅仁の『ＭＡＳＡＴＯ』の強烈な印象が忘れられないのだ。
　新人と言ってもオッサンだった今津雅仁のセンセーションなデビューに衝撃を受けた。実際に『ＭＡＳＡＴＯ』を聴いた後，キャノンボール・アダレイの『ＴＨＥＭ　ＤＩＲＴＹ　ＢＬＵＥＳ』を買ってしまったっけ？
　とにもかくにも「一期一会」のアドリブ一発の魅力にメロメロになった記憶がある。

　今津雅仁はとにかく思いっ切りバリバリとテナー・サックスを吹き上げる。そこに理性とか構成とかは感じられない。本能的に思いつくがままにテナー・サックスをドライブさせている。
　流暢に言葉をつくすよりも，ぶっきらぼうな言い回しのほうが伝わることがあるように，今津雅仁の「出たとこ勝負」のメロディアスが「瞬間芸術的」で聴いていて気分が高揚してくる。いいフレーズを聴く度に，管理人もガッツ・ポーズしてしまっている。

　今津雅仁のテナー・サックスは，時折音程を外しているが，それもこれも全てが今津雅仁の“味”である。今津雅仁のテナー・サックスには“雰囲気”がある。

　これってなんだろう。人を惹き付けてやまない魅力がある。ガッと掴まれては思わず聴きいってしまう魅力がある。何だか今まで聴いたことのない音が聴こえている。調子の悪
い時のソニー・ロリンズといった感じ？

　今津雅仁というテナーマンは日本語でテナー・サックスを吹き上げる。極太な音でブルージーに，またユーモアをもって吹き上げる。
　なるほど，使っている楽器，リズム，音階，イントネーションなど語法的にはアメリカの「真似」かもしれないが，今津雅仁の日本語でテナーを聴いていると，そこそこの演奏でも，なんかこう，しっくりくるものがある。「ははあ，なるほど」ってな感じ。

　思うに，優れた日本人ジャズマンの演奏するジャズは「音が日本語」だからなんでしょう。彼らは片言の下手な英語なんかじゃなく，魂のこもった日本語で堂々とジャズを会話している。

　今津雅仁の『ＭＡＳＡＴＯ』に説得されてしまった。今津雅仁の日本語テナーの真髄とは“広島弁”あるいは“博多弁”のあれなのである。

　　01. FIRE BALL
　　02. VIOLET LOVE
　　03. ZOOM
　　04. SO LONG
　　05. LIKE FORREST
　　06. BAGDAD
　　07. DEAR HANK

（ファンハウス／FUN HOUSE 1989年発売／00FD-7126）
（ライナーノーツ／小川隆夫）

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2019年04月17日23:26

カテゴリ: CD批評：アル・ディ・メオラ

パコ・デルシア／アル・ディメオラ／ジョン・マクラフリン／ THE GUITAR TRIO

　世紀の大名盤『フライデイ・ナイト・イン・サンフランシスコ～スーパー・ギター・トリオ・ライヴ!』から１５年。アル・ディ・メオラ，ジョン・マクラフリン，パコ・デ・ルシアの３人組による「スーパー・ギター・トリオ」が帰ってきてくれた。

　ただし，自分たちが作り上げた『フライデイ・ナイト・イン・サンフランシスコ～スーパー・ギター・トリオ・ライヴ!』をそう簡単には超えられないことを「スーパー・ギター・トリオ」の３人は理解している。だから新しいアイディアが『ＴＨＥ　ＧＵＩＴＡＲ　ＴＲＩＯ』という１枚のアルバムになるまでに１５年もの年月が必要だったのだ。

←　注：『フライデイ・ナイト・イン・サンフランシスコ～スーパー・ギター・トリオ・ライヴ!』を，つい２年ほど前に聴いた管理人の感想はリアルに体感したアル・ディ・メオラ，ジョン・マクラフリン，パコ・デ・ルシアのファンより熱情が劣っても致し方ありません。残念。

　『ＴＨＥ　ＧＵＩＴＡＲ　ＴＲＩＯ』の第一印象は，随分と地味な演奏に感じられた。
　ズバリ『ＴＨＥ　ＧＵＩＴＡＲ　ＴＲＩＯ』の聴き所とは，緻密なアンサンブルを鳴らす手段としてのギター・バトルにある。つまりアドリブ一発のギター・バトルが繰り広げられるものではなく，全てが計算された構成の一部としてギターが登場している。

　要はギターありきではなく音楽ありき。随分と大人なアコースティック・ギターの掛け合いがじわじわと来る！　奥行きのある構成と３人の共鳴するギターが心地よいバランスで押し寄せてくる！

　『ＴＨＥ　ＧＵＩＴＡＲ　ＴＲＩＯ』の聴き始めは，とにかく超高速カッティング＆ピッキングに耳が奪われる。そして次第に早弾きと早弾きの間を埋める“メロディアスな”バッキングやフレージングに耳が行く。

　そう。『ＴＨＥ　ＧＵＩＴＡＲ　ＴＲＩＯ』は，アコースティック・ギター２本だけ，３本だけのジャズ・ギターによるアンサンブル集。
　「スーパー・ギター・トリオ」におけるアル・ディ・メオラ，ジョン・マクラフリン，パコ・デ・ルシアの役所とは，アンサンブルの流れに合わせて，自分が主役を張った１秒後に脇役へ回っても，主役並みに光り輝くサイド・ギター・スタイル集。

　ズバリ，自分の陣地に相手を引き込もうというスタイルのアル・ディ・メオラ，逆に相手の陣地に入り込むスタイルのジョン・マクラフリン，そして一番の自信家＝パコ・デ・ルシアの「ついて来れるものならついて来い」スタイルの違いが，目まぐるしく交錯しては絡み合う，白熱のアンサンブル「裏バトル」集。

　管理人の結論。『ＴＨＥ　ＧＵＩＴＡＲ　ＴＲＩＯ』批評。

　『ＴＨＥ　ＧＵＩＴＡＲ　ＴＲＩＯ』は“売り”である，アクロバティックなギターの“名人芸”が聴き所に違いないがハイライトは「上質のジャズ・ギター」に違いない。

　そう。『ＴＨＥ　ＧＵＩＴＡＲ　ＴＲＩＯ』は，一部のギター・キッズだけが楽しむためのアルバムではない。実に音楽的なジャズ・ギターの“鳴り”に毎回魅了されてしまう。素晴らしい。

　　01. LA ESTIBA
　　02. BEYOND THE MIRAGE
　　03. MIDSUMMER NIGHT
　　04. MANHA DE CARNAVAL
　　05. LETTER FROM INDIA
　　06. ESPIRITU
　　07. LE MONASTERE DANS LES MONTAGNES
　　08. AZZURA
　　09. CARDEOSA

（ヴァーヴ／VERVE 1996年発売／POCJ-1350）
（ライナーノーツ／成田正）

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2019年04月14日23:00

カテゴリ: CD批評：NOBU CAINE

ノブ・ケイン／ NOBU CAINE

　角松敏生はフュージョンの人である。いつの日か制作されるフュージョン・アルバムを売る目的でまずは歌を歌ってきた人である。

　そんな角松敏生の“本性丸出し”の１つがソロ・アルバムの『ＳＥＡ　ＩＳ　Ａ　ＬＡＤＹ』であるとすれば，もう１つがプロデュース・アルバムの『ＮＯＢＵ　ＣＡＩＮ』である。
　『ＳＥＡ　ＩＳ　Ａ　ＬＡＤＹ』では表現できなかった，角松敏生の考える「もう１つのフュージョンの理想形」が『ＮＯＢＵ　ＣＡＩＮ』には色濃い。

　「ノブ・ケイン」とは，パーカッションの斎藤ノブを中心に集まった「オール・ジャパン・スタジオ・ミュージシャン・リズム・セクション・バンド」である。
　メンバーはパーカッションの斎藤ノブ，ドラムの村上“ポンタ”秀一と島村英二のツイン・ドラム，ベースの青木智仁，そこにキーボードの難波正司と小林信吾にギターの松原正樹の上物が乗っている。

　そんな「ノブ・ケイン」の『ＮＯＢＵ　ＣＡＩＮ』を初めて聴いた時の“ギャップ”が今も忘れられない。
　『ＮＯＢＵ　ＣＡＩＮ』聴くまではその当時，世界を席巻していた「ＨＩＲＯＳＨＩＭＡ」的な音楽をイメージしていたのだが，聴いてビックリ！　耳に飛び込んできた音楽のイメージは「角松敏生のインスト」そのまんま！

　「ノブ・ケイン」の基本は“ドンシャリ”である。しかし，単調なリズムがループする後ろで鉄壁のリズム・セクションが「ザ・角松敏生」を表現していることに驚きを隠せなかった。
　あっ，そもそも「ノブ・ケイン」のメンバーとは角松敏生のバック・バンドの面々たちの集合体だったのですね？　自然とカドマツ・ナイズされている！

　管理人は「ノブ・ケイン」について７年間ずっとそのように思ってきた。「ジンサク」の『ＤＩＳＰＥＮＳＡＴＩＯＮ』を聴くまでは…。

　ジンサクの『ＤＩＳＰＥＮＳＡＴＩＯＮ』を聴いて初めて「ノブ・ケイン」が理解できたし「ザ・角松敏生」が理解できた。
　そう。角松敏生はフュージョンを表現する上でギター以上にベースやドラムやパーカッションで表現することに長けている。素っ晴らしい才能である。
　あの「ジンサク」がＰＯＰになるくらいだから「ノブ・ケイン」がＰＯＰに振れるのも当然ではなかろうか！？

　管理人の結論。『ＮＯＢＵ　ＣＡＩＮ』批評。

　『ＮＯＢＵ　ＣＡＩＮ』は当時流行りのＪ－ＰＯＰのインストである。しかしインストなのに歌っている。これぞフュージョンの人の音楽である。これぞフュージョンの醍醐味である。

　角松敏生のフュージョン愛，恐るべし！　角松敏生の才能，恐るべし！

　　01. ASIAN WIND
　　02. YOU ARE A GREAT GIRL～interlude 香港の朝市
　　03. SAVANNA MOON
　　04. BAN-COCK
　　05. JESSICA
　　06. NIGHT IN KOZA
　　07. CARIBBEAN PIRATES
　　08. ソバカスのある少女
　　09. I'M GONNA FORGET YOU～BACK TO THE ISLAND

（オーン・レコード／OM RECORDS 1989年発売／M32D-1003）
（ライナーノーツ／小倉エージ）

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2019年04月11日23:08

カテゴリ: CD批評：フランク・アヴィタビレ

フランク・アヴィタビレ／ジャスト・プレイ

　フランク・アヴィタビレの『ＪＵＳＴ　ＰＬＡＹ』（以下『ジャスト・プレイ』）とは国府弘子の『ＰＩＡＮＯ　ＴＡＰＥＳＴＲＹ』～『ＰＩＡＮＯ　ＡＮＮＩＶＥＲＳＡＲＹ』～『ＰＩＡＮＯ　ＶＯＩＣＥＳ』の続編となるピアノ・ソロ・アルバムである。

　騙されたと思ってこの順番で『ジャスト・プレイ』を聴いてみてほしい。絶対にそう思えるから！？　←　多分，リリース時期が近いせいでそう思ってしまったのかもしれません。

　そう。管理人にとってフランク・アヴィタビレとは「ミシェル・ペトルチアーニな人」ではなく「国府弘子な人」である。
　国府弘子がＰＯＰ寄りから本格ジャズを越えてきたように，フランク・アヴィタビレにもジャズ以外の要素の方が耳に残る。

　これがおフランスのせいなのかは定かではないがクラシックに近い感覚があってアメリカン・ジャズではない。しかし不思議とアルバムを１枚聴き終えた後には「これぞジャズ・ピアノ以外の何物でもない」と思ってしまうのだから素晴らしい。
　ジャズ評論の世界ではこれを「ミシェル・ペトルチアーニ直系」と定義するのだろうか？

　それにしても定番のピアノ・トリオではイマイチなのにソロ・ピアノになると表情が一変するピアニストに共通するのは，ジャズを弾こうとしていないことであろう。
　本人はジャズを弾くではなく，ピアノを弾くでもなく，ただ自分の好きなように音楽を奏でている。イマジネーション豊かな鍵盤音楽の世界にドップリである。

　『ジャスト・プレイ』はジャズの方法論で演奏されている。新しさというよりもオーソドックスな伝統を感じる。フランク・アヴィタビレはゼロからのクリエイターなどではない。
　そう考えると『イン・トラディション～フランク・アヴィタビレ・デビュー』がハービー・ハンコックっぽく仕上がったことにも合点がいくし『ジャスト・プレイ』での国府弘子にも合点がいく。

　ズバリ，フランク・アヴィタビレの魅力とは「美しいものパッケージング」なジャズ・ピアニスト。
　『ジャスト・プレイ』にはフランク・アヴィタビレが体験してきた「美」が全部詰まっている。「美」のピアニズムが持つカタルシスを感じてやまない。

　ところで『ボディ・アンド・ソウル』批評の中で，長尺が苦手なフランク・アヴィタビレへの不満をちょっとだけ書いてしまったが，その理由も『ジャスト・プレイ』で回収できたことも記しておく。

　フランク・アヴィタビレが長尺が苦手でないことは１１分１２秒の【ＡＵＧＵＳＴ　ＩＮ　ＰＡＲＩＳ】が証明してくれた。１曲の演奏時間が総じて短時間なのは，その曲の美しい部分だけにフォーカスした結果なのだと思っている。

　　01. RESONANCE
　　02. LITTRE A LOISE
　　03. MY ROMANCE
　　04. AUGUST IN PARIS
　　05. MEMORIES
　　06. MAGIC MIRROR
　　07. SMILE
　　08. MOODY PIANO
　　09. MORNING STAR
　　10. DREAMLAND
　　11. ISOPOD
　　12. REAL ADDICT
　　13. CORPS & AMES
　　14. NATURE BOY
　　15. POINCIANA
　　16. MEDLEY; MISS LAURENCE～FACIN'UP～REVERIE～LOVERS

（ドレフュス・ジャズ／DREYFUS JAZZ 2005年発売／VACR-2072）
（デジパック仕様）
（ライナーノーツ／アルノード・メルリン）

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2019年04月08日23:00

カテゴリ: CD批評：勝田一樹

勝田一樹／ KAZUKI KATSUTA

　勝田一樹の１ｓｔ『ＫＡＺＵＫＩ　ＫＡＴＳＵＴＡ』を昨年買った。理由はＤＩＭＥＮＳＩＯＮのニュー・アルバムが出ないと分かったから！
　勝田一樹がなぜこのタイミングでソロ・アルバムと思ったのが２０１４年のこと。『ＫＡＺＵＫＩ　ＫＡＴＳＵＴＡ』のリリースはＤＩＭＥＮＳＩＯＮのニュー・アルバムが出ない年のための保険だったから！

　だって，あの勝田一樹がこれまでソロ・アルバムを出さなかったこと自体が不思議だったし，勝田一樹がＤＩＭＥＮＳＩＯＮ以外でやりたい音楽は「ＪＡＦＲＯＳＡＸ」と「ＫＫ　ＪＡＭ」の活動で実現してきたと考えていたから！
　だから何で今更カッコ悪いことをしたのか意味不明だった。でもやっと『ＫＡＺＵＫＩ　ＫＡＴＳＵＴＡ』のリリースはＤＩＭＥＮＳＩＯＮのニュー・アルバムが出ない年のための保険だったことが分かったのだ。

　ズバリ『ＫＡＺＵＫＩ　ＫＡＴＳＵＴＡ』はＤＩＭＥＮＳＩＯＮのニュー・アルバム『３１（仮）』だと認識する。それくらいに“ほぼＤＩＭＥＮＳＩＯＮ”な極上フュージョン・アルバムであった。

　管理人は勝田一樹の多忙なソロ活動がＤＩＭＥＮＳＩＯＮのリリース停止の原因だと考えていたが『ＫＡＺＵＫＩ　ＫＡＴＳＵＴＡ』＝“ほぼＤＩＭＥＮＳＩＯＮ”がそれを裏付けた形となった。
（　日本全国のカツオ・ファンの皆さんごめんなさい。こうは書いても管理人はカツオのことが大大好きなのです。信じてください。でも本当にディメの足を引っ張っていると思うから…　）。

　過去の勝田一樹のソロ活動に，これほどまでにＤＩＭＥＮＳＩＯＮを感じたことはなかった。「ＪＡＦＲＯＳＡＸ」「ＫＫ　ＪＡＭ」にＤＩＭＥＮＳＩＯＮを感じたことはなかった。な・の・に＆な・ぜ・に…。

　そう。管理人の不満は小野塚晃と増崎孝司が参加しているのに関わらずＤＩＭＥＮＳＩＯＮのＤＮＡを勝田一樹が“独り占め”している，その一点だけである。
　それと須藤満と則竹裕之が参加しているにも関わらずスクェアっぽさを微塵も感じないのも見当違いな不満でもある。グルーヴ・マイスターの川崎哲平が思いっきり目立っている。

　　『ＫＡＺＵＫＩ　ＫＡＴＳＵＴＡ』はフュージョン・アルバムとしてはパーフェクトである。『ＫＡＺＵＫＩ　ＫＡＴＳＵＴＡ』はＤＩＭＥＮＳＩＯＮのアルバムとしてもパーフェクトである。
　しかしそれだけに『ＫＡＺＵＫＩ　ＫＡＴＳＵＴＡ』を勝田一樹のソロ・アルバムとして聴くのは難しい。

　ふむふむ。そろそろオチが見えてきましたか？　結論としては「ＤＩＭＥＮＳＩＯＮ＝勝田一樹」をかつてここまで感じたアルバムはありません。

　こうなったらＤＩＭＥＮＳＩＯＮのニュー・アルバムは勝田一樹のソロ・アルバムで聴くしかない！？
　もし今年もし来年。ＤＩＭＥＮＳＩＯＮのニュー・アルバムが出ない場合は勝田一樹の２ｎｄ『ＶＩＳＵＡＬＩＺＥ』と勝田一樹の３ｒｄ『ＳＡＸＲＥＥ』を買おうと思います！

　　01. Street Dance
　　02. Got It Goin'on
　　03. Cross Road
　　04. True Heart
　　05. Perfect Future
　　06. Long Way To Go
　　07. W・R・T
　　08. Midnight Black
　　09. Dr.Jackle
　　10. Free

（ザイン／ZAIN 2014年発売／ZACL-9071）